Über GUBI

GUBI ist ein Designunternehmen, das sich dem Zelebrieren des Luxus des Lebens verschrieben hat. Designs, die die Vergangenheit und Gegenwart kombinieren, damit sich das Neue entwickeln kann. Designs, die die Sinne anregen, schön und doch verwendbar sind. GUBI strebt mit Leidenschaft und Mut nach Perfektion. Evolution ist die Essenz. Bei GUBI sind wir auf einem kontinuierlichen Wachstumskurs. Eine Reise. Angetrieben von unserer Leidenschaft für die Entdeckung übersehener Ikonen aus der Vergangenheit und zukünftigen Ikonen in ihrer Entstehung, gaben wir uns einen unverwechselbaren Namen im internationalen Designgeschäft als dynamisches Design Kraft, von ernstzunehmender Grösse.

Wir verstehen uns als Schatzsucher, bei denen Neugier, Mut und Intuition die Schlüsselkomponenten für unseren Erfolg sind. Beim Design geht es darum, Edelsteine zu entdecken und seinen Instinkten zu folgen. Dazu gehört auch das Reisen, Suchen und Finden von längst verlorenen Überresten aus der Vergangenheit, zeitgenössischen, topaktuellen Designs von neuen Künstlern am Horizont. Das Ergebnis ist eine eklektische, interkontinentale Kollektion, die die Grenzen zwischen Vergangenheit und Zukunft verwischt.

Ein umfangreiches Sortiment an äusserst ästhetischen, zum Nachdenken anregenden Designs, die sich durch einfache, fesselnde Formen, originelle Materialien und innovative Techniken auszeichnen, die Zeit und Raum trotzen. Eingebettet in eine Schönheit, die bei Designinteressierten, Architekten und Designern auf der ganzen Welt ankommt.

Viele Stunden im Leben werden zu Hause mit Gegenständen und Möbeln verbracht, die allein oder zusammen mit der Familie zusammen gesammelt werden. Das ist die Art und Weise, wie die meisten von uns leben, aber nur, wenn wir eine bestimmte Ebene von Erinnerungen und Geschichten aufbauen wird es sich wie ein richtiges Zuhause anfühlen.

Was genau diesen Moment definiert, ist schwer zu sagen. In meinem Leben habe ich gelernt, dass dies sehr stark vom Einzelnen abhängt und damit, womit wir uns umgeben. Heute ist die Gubi-Kollektion einzigartig und persönlich geworden. Für mich fühlt es sich wie Heimat an. Es ist eine Sammlung die Geschichten von verschiedenen Persönlichkeiten und wahren Visionären ihrer Zeit wiederspiegelt.

All diese Designs zusammen unter „ein Dach“ zu bringen ist unsere Art, Erinnerungen zu sammeln, Vielfalt und geschichtliche Relevanz zu feiern. Gleichzeitig glauben wir, dass es die Art und Weise widerspiegelt, wie Sie ein Haus gestalten.

Es erfordert besondere Anstrengungen und sorgfältige Bearbeitung, um eine Sammlung von Ikonen aufzubauen, die fast 100 Jahre Designgeschichte beinhaltet – von den Anfängen des Bauhauses und der Bestlite über Greta M. Grossman, welche eine Männerwelt mit ihrem femininen Stil und Sinn für Details eroberte bis hin zum kürzlich vorgestellten Käferstuhl von GamFratesi, die eine neue Interpretation des Treffens zwischen Dänischer und Internationaler Designtradition darstellen. Alle diese Geschichten werden geschätzt und in unsere Designer-Ikonen Sammlung eingebettet! Was all unsere Designs gemeinsam haben, ist, dass sie einige Eigenschaften und Qualitäten teilen. Auf ihre eigene Weise hat jedes Einzelne das Gewöhnliche bei der Schöpfung herausgefordert, andere waren für ihre Zeit innovativ.

Wir denken, dass dies einen persönlichen Reiz verleiht, während es ihnen ermöglicht, die Zeit als wahre Design-Ikonen zu durchlaufen. Bei Gubi reisen wir bereits seit einigen Jahren und sammeln auf dem Weg Schätze und Ikonen der Zukunft und mit einem besonderen Sinn für Leistung sage ich nun, dass wir unser Ziel erreicht haben – wir sind nach Hause gekommen und wollen dieses Gefühl für eine Weile aufrechterhalten…

Willkommen im Gubi Designhaus!

GUBI – KOLLEKTIONEN

Gubi Beetle Kollektion

Seit seiner Ankunft in der modernen Designszene im Jahr 2012 ist der GUBI Beetle Dining Chair in der Zwischenzeit zu einem der bekanntesten zeitgenössischen Stühle des letzten Jahrzehnts geworden. Von der dänisch-italienischen Designfirma GamFratesi für die dänische Marke GUBI entworfen, hat sich das Beetle-Sitzmöbelprogramm zu einer Kollektion mit Esszimmerstühlen, Loungestühlen und modernen Barhockern entwickelt, wobei jede Iteration ihre definierende, abgerundete Form beibehalten hat. Der Name Beetle deutet auf die Insektengruppe hin. Der Beetle-Stuhl von GamFratesi, der 2012 in Mailand als Prototyp vorgestellt wurde, war ein sofortiger Erfolg und landete aus gutem Grund auf den meistgesuchten Wunschlisten. Die schöne, modulierte Silhouette des Beetle Chairs war sofort verspielt und elegant.Der Beetle Chair war mehr als pure Form, ahmte jedoch die Anatomie der Käfersteifen äusseren Schale und des weichen Innenraums – im wahrsten Sinne des Wortes, raffinierte gute Blicke mit winkendem Komfort zusammen – eine beneidenswerte Formel, die sich in den folgenden Jahren als unwiderstehlich erwiesen hat.

Gubi Möbel Kollektion

Möbel sind die Bausteine, mit denen wir ein Zuhause schaffen. Es gibt viele Aspekte zu beachten, und die Wahl Ihres künftigen Esszimmerstuhls, Schreibtischs oder Ihres Sofas ist nicht leicht zu nehmen. Es gibt eine Nachfrage nach Funktionalität, für Komfort und auch Ihre Stücke mit der Architektur und dem Layout des Raumes selbst zu integrieren. Wir ermutigen Sie, sich Zeit zu nehmen und sorgfältig die Erinnerungen und Geschichten auszuwählen, mit denen Sie sich für viele Jahre umgeben sollten.

In der Möbelkollektion wurde die Gubi Stuhlfamilie, die 2003 von Komplot design entworfen wurde, erweitert mit einem schlanken und leicht metallischen Mittelfuss. Um diese Serie zu ergänzen, haben wir eine ganz neue Reihe entwickelt von hölzernen Gubi Esstischen. Diese Erweiterungen bringen neue und unterschiedliche Möglichkeiten für den Einsatz und Styling. Auch der ikonische Beetle Stuhl und die Paper Tische von GamFratesi, die kürzlich mit dem EDIDA Young Designer Talent Award ausgezeichnet wurden, sind zukünftige Klassiker, die wir gerne in der Familie begrüssen.

Gubi Accessoires

Accessoires sind Objekte, die unseren Geschmack widerspiegeln und eine persönliche Atmosphäre schaffen – sie bereichern den Raum. dass es hineingelegt wird und eine Aussage macht. Diese Gegenstände können die Grenzen eines traditionellen Dekors sprengen. und können zur Gestaltung einer neuen Richtung genutzt werden – sie sind auch oft Gegenstand von Gesprächen. Sie können ebenso skulptural wie funktional sein. Wir haben diese Objekte für Sie handverlesen, um unseren individuellen Stil und unsere Persönlichkeit zu zeigen.

Die neuesten Sammlerstücke sind neue rechteckige Versionen des exklusiven und handgefertigten Adnet-Spiegels. Es wurde 1946 von Jacques Adnet entworfen und ist das perfekte Beispiel für die französische Moderne. Auch das Zarte, fast spielerische Mategot-Serie, die von Mathieu Mategot in den 1950er Jahren entwickelt wurde, wurde um eine Neuauflage der legendären Garderobe aus Messing und ganz in Schwarz erweitert.

Die Gubi Hocker Kollektion

Der Hocker ist mit einer Muschelschale in den Farben erhältlich: schwarz, scheue Kirsche, süsse Orange, venezianisches Gold, Mistelgrün, nachtgrau, blauer Morgen, Dämmerungs Blau, regnerisch grau, neblig grau, Mondgrau, weisse Wolke, weiss und mit einer Furnierschale aus amerikanischem Nussbaum, Eiche oder schwarz gebeizter Buche. Ebenso ist die Schale in einer vollständig gepolsterten Version mit einer Reihe von verschiedenen Stoffen und Leder, sowie einer vorderen Polsterung Version mit HiRek oder Holzschale verfügbar. Die Schale kann mit den Basisvarianten kombiniert werden: eine Schlittenbasis, erhältlich in zwei verschiedenen Höhen, in Chrom oder schwarz lackiertem Stahl; ein Holzfuss aus amerikanischer Nussbaum, Eiche oder schwarz lackierter Buche, auch in zwei verschiedenen Höhen erhältlich, mit Fussstütze aus Chrom oder Messing; eine Drehunterseite in Chrom und eine Mittelbasis in schwarz lackiertem Metall.

Gubi Leuchten

Warum wir Gubi Leuchten lieben.

Gubi hat ein Händchen dafür, Stücke zu entdecken (ob aus der Vergangenheit oder aus der Gegenwart), die heute für die Beleuchtung moderner Innenräume relevant sind. Viele der Geschichten, die hinter jeder Kollektion stehen, haben eine Neigung, auf die Bedürfnisse des modernen Hauses einzugehen, mit Entwürfen von den 1930er bis zu den 1970er Jahren, die Gubi neu beleben half.

Kürzlich war Gubi Teil eines Projekts, das das „The Standard“, ein 1937 erbautes Gebäude im Zentrum von Kopenhagen, in drei Restaurants und einen Jazzclub verwandelte. Gubi füllte den Raum mit ihren Lichtdesigns und Möbeln – einschliesslich der Cobra Wall Sconce – und schuf so ein pulsierendes Zentrum für modernes Design und Kultur in der Stadt.

GUBI DESIGNER

Marcel Gascoin

Der französische Designer Marcel Gascoin (1907-1986) war einer der führenden Möbeldesigner der Nachkriegszeit. Er spielte eine wichtige Rolle beim Wiederaufbau Frankreichs nach dem Zweiten Weltkrieg, wo seine stromlinienförmigen Holzmöbel, die sich auf saubere Ästhetik und Funktionalität konzentrierten, zur Grundausstattung für französische Haushalte der 1950er Jahre wurden.

Gascoin arbeitete als Innenarchitekt und Designer mit dem französischen Ministerium für Wiederaufbau und Städtebau zusammen, um Häuser und die Möbel zu entwerfen und zu bauen, die sie während der Wohnungskrise in Frankreich nach dem Krieg füllen sollten. Vorausschauend für seine Zeit und mit einem starken sozialen Gewissen zog Gascoins demokratisches Design Grenzen zwischen Kunst und Industrie und verband saubere Ästhetik mit rationalen Herstellungsprozessen.

Von klein auf wurde er von der Präzision und dem praktischen Sinn des Innenausbaus von Booten inspiriert, und diese tiefe Wertschätzung für die optimale Nutzung des verfügbaren Raums folgte ihm während seiner gesamten Karriere. Dies führte auch zu einer Zusammenarbeit mit dem Kollegen Jean Prové bei einem Wettbewerb zur Entwicklung einer Bootskabine – und obwohl sie nicht gewonnen haben, erwies sich die Partnerschaft zwischen ihnen als grosser gegenseitiger Respekt und offenbarte eine gemeinsame Dankbarkeit für die Arbeit, die robust, klug und funktional ist.

Pierre Paulin

Der legendäre französische Möbeldesigner Pierre Paulin (1927-2009) bestritt die 1960er und 70er Jahre mit seinem unverwechselbaren und innovativen Stil, der die Alltagsmöbel sofort revolutionierte. Er studierte an der École Camondo Design School in Paris, wo sein Lehrer ihn aufforderte, an dem Kurs von Marcel Gascoin teilzunehmen. Dort nahm Paulin die skandinavische Ästhetik auf und gewann einen grossen Einblick in die Rolle, die Design in der Gesellschaft spielen könnte.

In den 1950er Jahren begann Pierre Paulin, selbstständig Möbel zu entwerfen und mit dehnbaren Stoffen zu experimentieren, die über die Armatur eines Stuhls gezogen werden konnten. Er begann eine erfolgreiche Zusammenarbeit mit Thonet France und Artifort, wo letzteres zu mehreren ikonischen Stücken wie dem Pilz-, Schleifen- und Zungenstuhl führte, die alle zu begehrten Designklassikern geworden sind.

Als fröhlicher Modernist bot Paulin mit seinen niedrig angesetzten Stücken eine neue, entspannte Lebensperspektive, und seine zukunftsorientierte, vielseitige und skulpturale Herangehensweise an das Möbeldesign traf sofort die Stimmung der schwankenden 60er Jahre. Der hedonistische, kurvenreiche Stil von Paulins Entwurf zog auch die Schirmherrschaft der Präsidenten Georges Pompidou und François Mitterrand an, die ihn baten, in den 1970er und 80er Jahren Teile des Elysée-Palastes neu zu dekorieren.

Pierre Paulins innovative Entwürfe sind heute in Sammlungen zeitgenössischer Kunst und Design auf der ganzen Welt, vom Museum of Modern Art, New York, über das Victoria and Albert Museum, London, bis hin zum National Centre for Art and Culture Georges Pompidou in Paris zu finden.

Carlo De Carli

Carlo De Carli (1910-1999) war nicht nur ein Architekt und Designer, der das Design des 20. Jahrhunderts entscheidend geprägt hat, sondern auch einer der führenden und angesehensten Professoren Italiens, der die theoretischen Reflexionen und die Ethik des Verhaltens einer ganzen Generation von Architekten grundlegend geprägt hat.

Carlo De Carli schloss 1934 sein Architekturstudium am Politecnico di Mailand ab – einer Universität, mit der er während seiner gesamten Karriere eng verbunden war, von 1965 bis 1968 Dekan der Fakultät für Architektur und dort bis 1986 Dozent. Als angesehener Wissenschaftler und Schriftsteller konzentrierte sich seine Weltanschauung auf die Integration von Raum, Material und menschlichem Körper und Geste, und mit dieser Ideologie führte er einen Dialog zwischen Design, Universitäten und der handwerklichen Welt.

Er arbeitete mit dem legendären Architekten und Designer Gio Ponti zusammen, und seine Jahre bei Ponti prägten die Sprache und den Zugang des jungen Carlo De Carli zum Design. Später gründete er sein eigenes Studio, in dem sein Design schnell weithin bekannt wurde und von einigen der wichtigsten und innovativsten italienischen Designfirmen hergestellt wurde.

Ein feines Gespür für modernes Material, Design und Industrie und die Bereitschaft zum Experimentieren und Erfinden prägen Carlo De Carlis Beitrag zur Nachkriegsarchitektur und zum Design und machen ihn zu einem der grössten Meister des italienischen Designs.

Paavo Tynell

Paavo Tynell (1890-1973) war ein Industriedesigner, bekannt als der grosse Pionier des finnischen Lichtdesigns und liebevoll als „der Mann, der Finnland erleuchtete“ bezeichnet. Tynell war einer der Gründer und Chefdesigner von Taito Oy – dem ersten industriellen Hersteller von Beleuchtungskörpern in Finnland. Mit der Innovation der Elektrizität zu Beginn des 20. Jahrhunderts erweiterten Taito Oy und Tynell das Denken und die Herstellung moderner Beleuchtungslösungen in Europa und im Ausland.

Paavo Tynell wurde in den 1930er und 40er Jahren bekannt, wo er mit einigen der renommiertesten finnischen Architekten, unter anderen Alvar Aalto, zusammenarbeitete. Tynells Firma Taito Oy arbeitete daran, künstliche Beleuchtung in moderne Umgebungen zu integrieren und produzierte Leuchten für alle Grossprojekte von Alvar Aalto, darunter das Paimio Sanatorium und die Viipuri Bibliothek.

Tynell wurde besonders durch seine Mitarbeit im Finland House geschätzt, einem Design-Atelier in New York, das die Arbeit finnischer Designer und Handwerker präsentierte. Seine eleganten Messingdesigns wurden in Nordamerika sofort zu einem Erfolg, und er begann, Lichtdesigns für die renommierte amerikanische Firma Lightolier zu entwerfen.

Tynells Entwürfe, die selbst ein Meisterhandwerker waren, stammen von einer traditionellen Ästhetik mit moderner Sensibilität, vermischt mit einer umfangreichen Verwendung von perforiertem und poliertem Messing als Material. Seine berühmtesten Formen im Blitz spiegeln die Strukturen der Natur wider; er schuf geschickt skulpturale Formen, die an die Äste von Bäumen, wirbelnde Schneeflocken und Muscheln erinnern.

Heute sind Paavo Tynells Lampen und Leuchten bei einer internationalen Kundschaft von Sammlern sehr gefragt, und die Preise für seine wichtigsten Stücke sind in letzter Zeit auf Auktionen gestiegen.

GamFratesi

GamFratesi Studio wurde 2006 von der dänischen Architektin Stine Gam (geb. 1975) und dem italienischen Architekten Enrico Fratesi (geb. 1978) gegründet. GamFratesi gehört zur neuesten Generation von Möbelarchitekten und stellt zusammen eine neue Interpretation der Begegnung zwischen dänischen und internationalen Designtraditionen dar.

Das Design von GamFratesi basiert auf einer Fusion von Tradition und Erneuerung und einem experimentellen Ansatz für die gewählten Materialien und Techniken. Mit ihrem vielfältigen traditionellen Hintergrund greifen sie auf die klassische dänische Möbel- und Handwerkstradition sowie den zeitlosen italienischen intellektuellen und konzeptionellen Ansatz zurück. Das Verstehen und die aktive Auseinandersetzung mit einer Tradition in der Werkstatt ermöglicht es, sie zu erweitern. Aus dieser interkulturellen Partnerschaft entstehen Möbel, die respektvoll die Tradition widerspiegeln und gleichzeitig einzigartige eingebettete Geschichten, Symbole und Assoziationen enthalten, die oft in einem minimalistischen Idiom zum Ausdruck kommen.

„Unsere Arbeit pendelt zwischen Tradition und Überraschung. Oft braucht es nur ein kleines Detail, um einen Ausdruck zu erreichen oder zu brechen und wir sind sehr neugierig darauf. Wir arbeiten streng nach dem skandinavischen Ansatz für Handwerk, Einfachheit und Funktionalismus, aber es gibt immer eine starke Emotion für Konzept und Geschichte hinter jedem Werk. Kontraste stehen oft im Mittelpunkt unserer Inspiration. Sowohl in der Arbeit als auch im täglichen Leben sind wir ständig mit Gegensätzen konfrontiert und wir arbeiten viel mit Referenzen und Respekt vor Traditionen in unseren beiden Kulturen. Wir haben beide unsere Wurzeln in starken Designkulturen. Durch das Studium, die Forschung und den ständigen Austausch zwischen unseren beiden Ländern ist es zu einem so natürlichen Teil von uns geworden, dass es sich auch in unserer Arbeit widerspiegeln wird.“

GamFratesi soll Möbel entwerfen, die den Prozess und die Techniken, die ihn ausgelöst haben, veranschaulichen und die eine anhaltende Erforschung der vielfältigen Grenzzonen zwischen Harmonie und Disharmonie widerspiegeln.

Space Copenhagen

Der kopenhagener Raum wurde 2005 von den dänischen Designern Signe Bindslev Henriksen und Peter Bundgaard Rützou gegründet, beide Absolventen der Royal Danish Academy of Fine Arts, School of Architecture. Die Designpartnerschaft ist bekannt für ihre Kunst, sich Gewohnheiten zu widersetzen und eine aufrichtige persönliche Vision für ihr Design zu verfolgen.

Der Kopenhagener Raum hat eine Vielzahl von Projekten, Beispielweise Innenarchitektur, Möbel und angewandte Kunst sowie künstlerische Installationen und künstlerische Leitung und nur das zu nennen, durchgeführt. Diese unterschiedlichen Bereiche spiegeln insbesondere ihre Fähigkeit wider, viele Rollen zu überschreiten und ihre emotionale Arbeitsmethode auf eine Reihe von Projekten oder Produkten anzuwenden.

Das Duo kann auf eine beeindruckende Erfolgsbilanz bei Innenarchitekturprojekten für einige der renommiertesten Restaurants wie NOMA und Geranium in Kopenhagen sowie bei der Gestaltung von Objekten unter anderem für Georg Jensen und Fredericia Furniture verweisen.

Greta M. Grossman

Greta Magnusson Grossman (1906-1999) blickt auf eine vierzigjährige erfolgreiche Karriere auf zwei Kontinenten zurück: Europa und Nordamerika und agierten als Mover und Shaker in der von Männern dominierten Welt des modernen Designs der Mitte des Jahrhunderts. Ihre Leistungen waren vielfältig und umfassten Industriedesign, Inneneinrichtung und Architektur. Nach erfolgreichem Abschluss ihres Stipendiums an der renommierten Stockholmer Kunsthochschule Konstfack eröffnete sie 1933 ein Studio, einen kombinierten Laden und eine Werkstatt in Stockholm. Im selben Jahr heiratete Greta M. Grossman den Jazzmusiker Billy Grossman, mit dem sie später in die Vereinigten Staaten emigrierte und sich in Los Angeles niederliess.

Nach ihrer Ankunft in Kalifornien 1940 eröffnete Grossman einen gut bekannten Laden am Rodeo Drive, wo sie zu den ersten gehörte, die die skandinavische moderne Ästhetik in die aufstrebende modernistische Szene Südkaliforniens brachten. Ihre einzigartige Annäherung an die schwedische Moderne war ein sofortiger Erfolg in Los Angeles und bald zog sie prominente Kunden an, darunter Greta Garbo, Ingrid Bergman, Joan Fontaine, Gracie Allen und Frank Sinatra, und es dauerte nicht lange, bis sie neben Künstlern wie Charles Eames und Isamu Noguchi auftrat.

Während Grossman die Architektin von mehr als 15 Häusern ist, die sich von Kalifornien bis Schweden erstrecken, ist sie vor allem für ihre industriellen Entwürfe bekannt, bei denen die Gräshoppa Stehleuchte und die Cobra Tischleuchte zu den berühmtesten Werken gehören.

In den 1940er und 50er Jahren stellte Grossman ihre Entwürfe in Museen weltweit aus, darunter im MoMA in New York und im Nationalmuseum in Stockholm. Doch unerklärlicherweise verschwand der Name Grossman nach ihrer Pensionierung in den späten 1960er Jahren beinahe vollständig aus der Designlandschaft.

Robert Dudley Best

Robert Dudley Best (1892-1984) war Erbe des weltweit grössten Lichtherstellers Best & Lloyd, der 1840 in Birmingham gegründet wurde. Trotz der stolzen Geschichte des Unternehmens, traditionelle Lampen für eine prestigeträchtige Kundschaft, darunter Titanic und Orient Express, anzubieten, interessierte sich Dudley Best für eine neue Kollektion, die den Geist der neuen Zeit symbolisierte, indem sie die avantgardistischeren Architekten ansprach und eine neue Agenda für das Lampendesign setzte.

Robert Dudley Best, ein leidenschaftlicher Designbegeisterter, verbrachte die 1920er Jahre damit, durch Europa zu reisen, um Designer zu treffen und sein Interesse an der Bewegung der Moderne zu fördern. Nachdem er 1925 die Ausstellung für modernes Design in Paris besucht hatte, wo viele der ausgestellten Entwürfe von den Werken von Le Corbusier und Mies van der Rohe beeinflusst wurden, schrieb er sich an der School of Industrial Design in Düsseldoft und in Paris ein. Dudley Best war daran interessiert, die Grenzen zwischen industriellem und künstlerischem Wert zu überwinden, und die Ideale von Dudley Best wurden von seinem Freund Walter Gropius, der Gründer der Bauhausbewegung, geteilt. In dieser Zeit entwarf Dudley Best die ersten Entwürfe für das legendäre Bestlite-Design.

Robert Dudley Best wurde stark vom Bauhaus beeinflusst, das Europa mit seinen strengen Linien und seinem klaren Stil im Sturm eroberte. Nach den Prinzipien des Bauhauses hatte Dudley Best auf die Verzierungen und Details der traditionellen Best & Lloyd-Produkte verzichtet; er hatte sowohl den gewerblichen als auch den häuslichen Gebrauch im Sinn und glaubte, dass Beleuchtung funktional und praktisch sowie elegant sein sollte. In diesem Sinne kehrte er 1930 nach Birmingham zurück und beschloss, sein Bestlite-Lampendesign in Produktion zu nehmen.

Jacques Adnet

Jacques Adnet (1900 – 1984) war ein französischer Architekt und Art Deco Modernist und eine Ikone der luxuriösen französischen Moderne. Nach Abschluss seines Studiums an der Städtischen Hochschule für Gestaltung in Auxerre und der Ecole des Arts Decoratifs gründete Adnet mit seinem Zwillingsbruder Jean Adnet die Firma JJ Adnet. 1925 wurde Jacques Adnet als einer der vielversprechendsten jungen Designer sowohl beim Salon d’Automne als auch bei den Expositions des Arts Decoratifs ausgezeichnet. Neben dem Design von Möbeln und Spiegeln entwarf Adnet Wohnungen und Büros für zahlreiche Kunden, darunter den französischen Präsidenten Vincent Auriol und die Unesco.

Im Laufe seiner Karriere gehörte Adnet immer zu den ersten Künstlern, die neue Trends aussprachen. Als wahres Mitglied der Avantgarde seiner Zeit war er ein innovativer Denker und originell in der Wahl von Form und Material. Er gehörte zu den ersten, die Metall und Glas in die Struktur und Dekoration von Möbeln integrierten, und in der Nachkriegszeit begann Adnet, seine Möbel mit Leder zu beziehen. Bis heute ist er einer der angesehensten französischen Designer, dessen mehrjährige und innovative Arbeit nach wie vor sehr gefragt ist.

Komplot Design

Das im Jahr 1987 gegründete Komplot Design ist eine Partnerschaft des dänischen Architekten Poul Christiansen (geb. 1947) und des russischen Industrie- und Grafikdesigners Boris Berlin (geb. 1953), die Möbel entworfen und multidisziplinäre Designlösungen für dänische und internationale Unternehmen, Beispielweise Le Klint und Lightyears, entwickelt hat.

Die multidisziplinären Aktivitäten von Komplot Design im Bereich Produkt-, Möbel- und Grafikdesign, vom Traktor über Büromöbelsysteme bis hin zu Broschüren und Corporate-Identity-Programmen geben nicht nur die Komplexität des Designansatzes vor, sondern positionieren ihr Design auch im elektrischen Feld des intensiven Austauschs von Erfahrungen und Einstellungen verschiedener Branchen.

„Wir glauben, dass viele Traditionen innerhalb des Bereichs durch die Designgeschichte mit der Idee der totalen Kontrolle über Funktion, Form, Material und so weiter beschäftigt waren. Dieses Streben nach Kontrolle über unsere Umgebung ist wahrscheinlich ein typischer Drang der westlichen Kultur, die sowohl ihre Hauptstärke als auch ihr grösstes Versagen ist. Anstatt gegen Fehler anzukämpfen, indem wir das Material zwingen, sich perfekt zu verhalten (oft gegen seine Natur), entscheiden wir uns dafür, die Art und Weise zu akzeptieren, wie sich das Material verhalten will, wie seine Natur es anweist, sich zu bewegen….“

Gio Ponti

Der italienische Designer, Architekt und Herausgeber Gio Ponti (1891-1979) ist einer der einflussreichsten Designvisionäre des 20. Jahrhunderts. Ponti entwarf im Laufe seiner Karriere eine breite Palette von Möbeln und Produkten – von Schränken, Lampen und Stühlen bis hin zu Keramik und Glaswaren – und seine Gebäude, der Pirelli-Turm in Mailand und das Denver Art Museum und nur dies zu nennen, wurden in 14 Ländern errichtet. Mit Domus, der von ihm 1928 gegründeten Designzeitschrift, förderte Ponti eine neue Neugierde und Aufgeschlossenheit für neues Designdenken.

Gio Ponti war ein Konzeptualist, der immer wieder Grenzen zwischen Architektur und Innenarchitektur zog. Ponti betrachtete Architektur nie als blosse Schaffung von Gebäuden. Stattdessen konzipierte er oft auch das Innere des Gebäudes und entwarf Möbel, Beleuchtungsgeräte und sogar Keramik, Glas und Silberwaren, die zum Gesamtkonzept passen.

Ponti’s charakteristische Möbeldesigns, wie der elegante Superleggera-Stuhl für Cassina oder seine elegante Spiegelkollektion, bieten eine neue Perspektive auf traditionelle italienische Möbel und verbinden Stil mit Funktionalität. Sein Design wurde von la dolce vita beeinflusst; er ermutigte alle, gutes Design zu verwenden, um das Leben in vollen Zügen zu geniessen. Genau dieses bunte, freudige, sinnliche italienische gute Leben spiegelt sich in seinem Portfolio wider und wird sicherlich auch in Zukunft Künstler und Designer beeinflussen.

Heute wird eine breite Palette von Ponti-Designs von versierten Sammlern aufgegriffen, die ihrem Zuhause einen Hauch von italienischer Eleganz und mühelosem Chic verleihen wollen.

Bonderup & Thorup

Torsten Thorup (geb. 1944) und Claus Bonderup (geb. 1943) sind beide Absolventen der Royal Danish Academy of Fine Arts, School of Architecture 1969, und arbeiteten anschliessend zusammen mit dem dänischen Architekten Henning Larsen im Studio in Kopenhagen. Die beiden Architekten arbeiteten professionell zusammen und arbeiteten den grössten Teil ihrer Karriere zusammen. Gemeinsam haben sie Uhren und Ladenausstellungen für Georg Jensen, das Arktikum-Museum in Finnland und das Hafengebiet in Helsingør entworfen, wo sie von der Stadtplanung bis zu den Kassen alles gestalteten. Sie haben in ihrer langjährigen Karriere viele dänische und internationale Kunden betreut.

Die Arbeiten von Thorup und Bonderup zeichnen sich durch ihre ehrliche und klassische Schlichtheit aus, bei der auf die Details und die Qualität des Designs geachtet wurde, was sich im Halbanhänger von 1968 widerspiegelt.

Corsini & Ruiz Millet

Barba Corsini (1916-2008) war ein führender funktionalistischer Architekt, der für seine Architektur und seinen Entwurf für La Pedrera in Barcelona internationale Anerkennung erhielt. Corsini wurde stark von dem deutschen Architekten Mies van der Rohe und dem amerikanischen Architekten Frank Lloyd Wright inspiriert. Er hatte auch eine grosse Affinität zur finnischen Architektur, die er aufgrund der kraftvollen Einfachheit der Entwürfe für die beste in Europa hielt. Kraftvolle Einfachheit“ ist vielleicht eine treffende Beschreibung von Corsinis persönlichem Designstil, wie er durch die Pedrera-Kollektion repräsentiert wird.

Joaquim Ruiz Millet (geb. 1955) gründete 1989 die Galeria H20 in Barcelona, wo er seine Aktivitäten als Galerist, Kulturagitator, Kurator von Ausstellungen und Herausgeber von Büchern und Designobjekten förderte. Bei der Restaurierung von La Pedrera 1991 entdeckte er die Schönheit der grossen Stehleuchte PD2 und rettete sie vor dem Wegwerfen. Ruiz Millet begann mit Corsini zusammenzuarbeiten, um die originalen Designs für La Pedrera wieder aufleben zu lassen. Als Protegé von Corsini wollte Ruiz Millet helfen, sein Werk zu retten, es bekannter und der Öffentlichkeit zugänglich zu machen.

GUBI OLSEN

Gubi Olsen (geb. 1947) gründete 1967 zusammen mit seiner Frau Lisbeth Olsen GUBI. Von Anfang an war das Unternehmen auf Produktdesign und -entwicklung ausgerichtet. Im Laufe der Jahre hat das Designerpaar eine grosse Kollektion von Polstermöbeln entworfen.

Gubi Olsen, der sein Studium an der „Permanent Exhibition of Danish Crafts and Arts“ abgeschlossen hat, hat immer die Grenzen überschritten, um neue Wege im Design zu suchen. Immer mit einer globalen Perspektive hat er seinen eigenen, einzigartigen postmodernen Ausdruck geschaffen. Die Inspiration stammt aus der reichen dänischen Tradition der Handwerks- und Möbelproduktion, vermischt mit historischen und visuellen Referenzen wie dem französischen Kino, Napoleon Bonaparte und einem Flügel.

Kerstin H. Holmquist

Kerstin Hörlin-Holmquist (1925-1997) war eine schwedische Architektin und Designer der Moderne. Noch heute erinnert man sich an ihre Fähigkeit, in den 1950er Jahren Designs für das moderne Zuhause zu entwerfen, ohne sich um kurzlebige Trends zu kümmern und um das, was andere Leute dachten – um ihrer eigenen einzigartigen und humanistischen Designvision treu zu bleiben.

Sie arbeitete oft mit ihrem Mann Erik Holmquist zusammen; und gemeinsam modellierten und schufen sie die Stücke zusammen. Ein wichtiger Aspekt des Paars war immer, ihre Entwürfe in der eigenen Wohnung zu testen, bevor sie ein Projekt abschliessen.

„Ich denke, sowohl Möbel als auch Textilien, wo auch immer sie landen, müssen freundlich, sanft und höflich sein, aber ohne ihren Charakter zu verlieren. Sie sollten menschliche Qualitäten haben, nicht aufgeblasen sein und nur allein stehen, sondern sich an die Umgebung anpassen können, in der sie sich befinden….“

Holmquist arbeitete und studierte von 1946-1947 unmittelbar nach dem Krieg in England, wo sie auch Kunstgeschichte studierte und sich für die klassischen englischen Polstermöbel und -stile begeisterte. Etwas, das zweifellos ihre eigenen Kreationen später im Leben inspirierte, während sie noch ihren eigenen Ausdruck entwickelte. Sie kehrte nach Schweden zurück, wo sie in den Jahren 1948-1952 studierte und ihr Studium in Konstfack abschloss.

Ihre zeitlose und legendäre Paradiset-Kollektion entstand während ihrer Anstellung bei Nordiska Kompaniet in den Jahren 1956-1957 und zeichnet sich durch eine weiche Schlichtheit und Einzigartigkeit in ihrer Erscheinung aus – leichte, klare Linien und dennoch anmutig mit einem Hauch von Romantik. Heute sind ihre Entwürfe sehr begehrte Sammlerstücke und selten auf Auktionen zu finden.

Henning Larsen Architekts

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Henning Larsen Architects ist ein internationales Architekturbüro mit starken skandinavischen Wurzeln. Henning Larsen gründete das Unternehmen 1959 nach einer Studienreise in die Vereinigten Staaten und beschäftigte zunächst nur einen Architekturstudenten.

Henning Larsen Architects war schon immer von Neugierde und Vision geprägt. Die meisten Projekte des Unternehmens basieren auf Wettbewerben und die internationale Ausrichtung war von Anfang an präsent. Einer der ersten von Henning Larsen Architects gewonnenen Wettbewerbe war 1961 die Universität Stockholm. Der erste Preis führte zu einem internationalen Durchbruch.

Im Laufe der Jahre hat Henning Larsen Architects eine grosse Anzahl bedeutender Projekte auf der ganzen Welt entworfen, unter anderen mehrere Bildungseinrichtungen – von der Grundschule bis zur Universität – und kulturelle Gebäude – von Museen bis zu Bibliotheken und grossen, monumentalen Konzertsälen. Heute ist Henning Larsen Architects eines der führenden europäischen Architekturbüros mit Büros in mehreren Ländern.

Louis Weisdorf

Louis Weisdorf (geb. 1932) ist ein bekannter dänischer Architekt und Designer. Nach dem Abschluss an der Königlich Dänischen Akademie der Bildenden Künste in Kopenhagen 1954 arbeitete Weisdorf mit allen Bereichen von Grafik-, Innen- und Industriedesign über Erholungsgebiete bis hin zu den meisten Bereichen des Bauwesens. Er beschrieb seine Karriere als „spezialisiert auf Vielseitigkeit“, was die lange und bemerkenswerte Karriere dieses Multi-Designers perfekt zusammenfasst.

1961 begann er eine zehnjährige Tätigkeit bei Tivoli, dem Freizeitpark in Kopenhagen, und arbeitete als Hauptassistent von Simon P. Henningsen, dem Chefarchitekten von Tivoli. Ende der 1960er Jahre gründete Weisdorf in Kopenhagen sein eigenes Designstudio und teilte sich die Räumlichkeiten mit dem Architekten Ole Panton (dem jüngeren Bruder von Verner Panton), wo er sowohl nationale als auch internationale Kunden betreute. Während seiner aktiven Zeit als Designer arbeitete Weisdorf eng mit vielen Designern zusammen, darunter Verner Panton, Poul Henningsen und Le Klint.

Louis Weisdorf war schon immer daran interessiert, Leuchten aus einem einzigen Element zu schaffen, das sich wiederholen und in verschiedenen Moden zusammensetzen lässt, und ein Leitprinzip, das das Auge aus allen Winkeln vor direkter Blendwirkung schützt, wie es beispielsweise in seinem Turbo-Anhänger von 1967 zu sehen ist.

Heute sind Weisdorfer Lampen Sammlerstücke und können auf Auktionen erworben werden.

Mathieu Matégot

Mathieu Matégot (1910 – 2001) war ein vielseitiger, unabhängiger und autodidaktischer ungarischer Designer, Architekt und Künstler, der den grössten Teil seines Lebens in seinem geliebten Paris verbrachte, wo er sich 1931 nach Abschluss seines Studiums an der Budapester Kunst- und Architekturschule erstmals niederliess. 1939 meldete sich Matégot als Freiwilliger bei der französischen Armee an, wurde aber in Deutschland gefangen gehalten, bis er 1944 entkam. Diese Kriegsgefangenschaft war für Matégot eine wichtige Zeit, denn hier konnte er sich mit dem innovativen Material und der Technik Rigitulle vertraut machen – was später zu seinem Charakterzug werden sollte.

Mathieu Matégot ist vor allem für dieses bahnbrechende Material und diese Technik bekannt, die er Rigitulle nannte, wo Metallrohre mit Lochblechen kombiniert werden. Wie Stoff konnte Rigitulle gebogen, gefaltet und geformt werden, um den von ihm entworfenen Möbeln Transparenz, Schwerelosigkeit und ewige Modernität zu verleihen. Mathieu Matégot patentierte sogar dieses Material und diese Technik und richtete eine eigene Produktion ein, damit er sie in seinem Design umsetzen konnte. Wie viele seiner Kollegen bereiste Matégot die Welt auf der Suche nach Inspiration, Techniken und verwandelte diese Eindrücke nach der Rückkehr in seine eigenen, einzigartigen Designs und Interpretationen. Ob industrielle Prozesse oder Ästhetik, er sammelte und interpretierte immer.

In den 1950er Jahren – und für anderthalb Jahrzehnte -, die er sich dem Design von Möbeln und Innenausstattungen widmete, schuf er eine breite Palette von unverwechselbaren Designs, die heute als ikonisch und zeitgenössisch gelten. Um die Qualität der Produktion seiner eigenen Entwürfe zu gewährleisten, gründete Matégot zwei seiner eigenen Werkstätten – Société Mategot, eine in Paris, die bis zu zwanzig Mitarbeiter beschäftigte, und eine zweite in Casablanca, Marokko. Beide wurden in limitierter Auflage für bis zu 400 Stück hergestellt und dauerten bis Anfang der 1960er Jahre, als Matégot seine Produktion abrupt einstellte und mit der Arbeit an Tapisserie begann, die er für den Rest seiner Karriere fortsetzen sollte.

Oliver Schick

Oliver Schick wurde 1969 in Darmstadt geboren und studierte Produktdesign an der HBK – Hochschule für Bildende Künste und Design in Saarbrücken. Nach dem Studium arbeitete er freiberuflich für mehrere Studios und gründete 2005 sein eigenes Studio mit den Schwerpunkten Möbel, Licht und Innenarchitektur und arbeitet seitdem für Unternehmen wie Ligne Roset und Skandiform.

„Mein Ziel besteht darin, Produkte mit Charakter zu entwerfen, die zeitlos und leicht verständlich sind. Oftmals sind nur kleine Änderungen oder unerwartete Details notwendig, um einem Produkt einen lebendigen Charakter zu verleihen, der die Assoziationen und Emotionen des Benutzers weckt.“ Sein Ronde-Anhänger spiegelt diese Philosophie mit ihren dezenten, aber wirkungsvollen Details deutlich wider.

Schick arbeitet auch an einer Reihe von experimentelleren Projekten mit designbezogenen Themen, die sich auf Materialien, Funktionen, Nutzung und nachhaltige Entwicklung konzentrieren.

Paul Leroy

Paul Leroy (Jahrgang 1960) studierte Architektur, Möbeldesign, Grafik und Industriedesign an der Royal Danish Academy of Fine Arts. Während seines Studiums eröffnete er 1987 sein Designstudio und zählt heute unter anderem Mercedes-Benz, Apple, Google, Copenhagen Airports, B&O, Sony, Nike und andere zu seinen Kunden.

Die Weltanschauung hinter den Entwürfen von Paul Leroy ist zeitlose Schönheit, die in adäquaten Lösungen geschaffen wird, die Art und Weise verändert, wie wir alle denken und handeln. Physische Produkte und Räume zu schaffen und zu gestalten ist das Ziel, um Ihnen Freude und dauerhaften Wert im Alltag zu schenken. Wir versuchen, die Trendbewegungen von heute auf morgen zu vermeiden und Lösungen zu finden, die im gegenwärtigen Kontext relevant sind, aber einen höheren Wert haben.

OEO Studio

Der Designer und Kreativdirektor Thomas Lykke (geb. 1971) absolvierte eine Ausbildung zum Modedesigner in Kopenhagen und San Francisco, bevor er sich der Designindustrie zuwandte, wo er von 2000-2003 als Interiors Editor beim Wallpaper* Magazine arbeitete, bevor er 2003 in Kopenhagen sein eigenes Designbüro, OEO Studio, gründete.

OEO Studio ist immer bestrebt, ein Gefühl der Notwendigkeit zu vermitteln, das unseren Glauben widerspiegelt, dass grosses Design von Leidenschaft angetrieben wird und von der Vision geprägt ist, auf relevante, natürliche und respektvolle Weise etwas zu bewegen. Unser Designansatz ist ganzheitlich. Für OEO Studio ist die Kommunikation genauso wichtig wie das Produkt selbst. Tatsächlich liegt die Wahrheit in der Gesamtheit des Ansatzes. OEO Studio will Menschen auf emotionaler Ebene berühren und inspirieren, um ansprechende Designwelten mit einer kosmopolitischen Perspektive zu schaffen.

„Wir sind kreative Menschen mit einem einzigartigen und verfeinerten Sinn für die DNA und Persönlichkeit einer Marke: ihr Erbe, ihre Qualitäten und ihre Kernessenz. Wir haben meisterhafte Fähigkeiten entwickelt, eine Marke zu übernehmen und in den Mittelpunkt zu stellen. Wir sind bestrebt, Produkte zu entwickeln, die aufgrund ihrer herausragenden Eigenschaften und Ästhetik über Generationen hinweg halten. Schliesslich glauben wir stark an handwerkliches Können, taktile Materialien und die gelebte Erfahrung bei der Schaffung sinnvoller Produkte und Atmosphären“, laut Thomas Lykke.

OEO Studio hat preisgekrönte Designs für ein breites Spektrum anspruchsvoller Kunden kreiert, von den angesehensten jahrhundertealten Handwerksbetrieben bis hin zu Markenherstellern von hochwertigen Produkten wie Georg Jensen, Dinesen, Kadeau, Takashimaya, Brdr. Krüger, Leica, Japan Handmade, Stellar Works, Hosoo und Sony HQ.

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Bruno Wickart AG, Zug – bevorzugter Fachhandelspartner der Gubi im Raum Zug, Luzern und Zürich

Bruno Wickart AG und Gubi pflegen eine enge und partnerschaftliche Zusammenarbeit. Das Bruno Wickart Sortiment beinhaltet mehrere Gubi-Neuheiten und Bestsellers.

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