ABGESEHEN DAVON KÖNNEN WIR KOMMUNIZIEREN; GEMEINSAM KÖNNEN WIR UNS VERBINDEN

GUBI widmet diesen Herbst der Zeit, die wir zusammen in unseren Häusern verbringen. Es ist etwas sehr Kostbares, den gleichen Raum zu teilen – etwas, das nicht aus der Ferne repliziert werden kann. Wenn wir Auge in Auge in der Gegenwart des anderen sind – zusammen, intim und ungefiltert – können wir uns wirklich verbinden.

Schliesslich ist das ungefilterte Leben, das ehrlich und mutig gelebt wird, immer voller und einprägsamer – und Erinnerungen zu schaffen ist das Wichtigste, was wir tun können. Das Leben ist zu kurz, um sich zurückzuhalten und auf Nummer sicher zu gehen.

Die Dekoration unserer Häuser, die Auswahl der Möbel und Objekte, mit denen wir uns umgeben, sollte unsere Absichten und Bedürfnisse unterstützen und die Art und Weise widerspiegeln, wie wir uns wünschen, dass sich unser Alltag entfaltet. Stühle, Tische, Lichter sind die Bausteine fliessender, multifunktionaler Räume, in denen wir als Freunde und Familien zusammenkommen, um grosszügig unsere Zeit und uns selbst von Angesicht zu Angesicht zu teilen.

MADS CAPRANI

Die unverwechselbare und disruptive Vision des dänischen Lichtdesigners Mads Caprani, wie eine Lampe aussehen könnte, hat im Laufe der Jahrhunderte widergehallt. Obwohl er ursprünglich nicht vorhatte, Designer zu werden, sorgten Capranis Neugier, Ehrgeiz, natürliches Talent und Entschlossenheit, alle sich ihm bietenden Gelegenheiten zu ergreifen, dafür, dass er dazu bestimmt war, die Geschichte des Designs des 20. Jahrhunderts nachhaltig zu prägen.

Von einem kleinen dänischen Unternehmen aus machte Mads Caprani Light zu einem globalen Namen und gründete Niederlassungen in ganz Europa und sogar in Chicago und Wisconsin in den USA. Von allen Produkten von Caprani Light war es die Timberline Stehleuchte, die Mads‘ Ehrgeiz erfüllte und sein Vermächtnis sicherte. Ein einzigartiges, gewundenes und auffälliges Design, das irgendwie sowohl typisch für die 1970er Jahre als auch absolut zeitlos in seiner Ästhetik ist, war die Timberline Stehleuchte ein sofortiger Bestseller, der auf der ganzen Welt einfach als „Caprani-Lampe“ bekannt wurde.

Timberline Leuchte von Mads Caprani

„Der Ehrgeiz meines Vaters war es immer, ein Unternehmen aufzubauen, das einen grossen Einfluss auf die internationale Designszene hatte, und die Timberline Stehleuchte ist das Produkt, das dafür sorgte, dass er es erreichte. Für mich ist es eine grosse Ehre, dem Entwurf meines Vaters ein neues Leben einhauchen zu dürfen. Es ist fantastisch, die Lampe meines Vaters dank GUBI wieder in Produktion zu sehen und seine Kreativität und Vision mit einer neuen Generation teilen zu können.“
Mikkel Caprani, Sohn von Mads Caprani

Nach Jahrzehnten der Produktion kehrt die Timberline Stehleuchte von Mads Caprani endlich in die Häuser von Designliebhabern weltweit zurück. Ursprünglich in den 1970er Jahren vom dänischen Lichtdesigner entworfen, wurde die Timberline schnell zum Flaggschiffprodukt von Caprani – eine spielerisch geschwungene, schwanenhalsige Stehleuchte, die sowohl die skandinavische Designsprache der 1970er Jahre einfängt als auch transzendiert und zu einem der seltenen Stücke wird, die mühelos in jeden Raum und Stil schlüpfen können.

Die Lampe hat ihren Namen von Capranis Faszination für die Baumgrenze – die inhärente Grenze der Natur für die Höhe, in der Bäume wachsen können, der Übergangspunkt in der Landschaft zwischen Wald und Fels. In der Lampe übersetzte er den Begriff einer natürlichen Grenze in eine abrupte Materialgegenüberstellung zwischen Holz und Eisen. Die Familiengeschichte besagt, dass die unverwechselbare Form der Lampe von Caprani kam, der Fragezeichen an seinem Schreibtisch kritzelte, als er versuchte, ein neues Lichtdesign zu entwickeln, dann einen Geistesblitz hatte – ein Glühbirnenmoment – und erkannte, dass die Form des Fragezeichens die Antwort sein könnte, nach der er suchte.

RAINER DAUMILLER

Geboren 1939 in Oberlenningen – einem kleinen Bergdorf in Süddeutschland – war Rainer Daumiller ein Kind des Zweiten Weltkriegs. Lebensmittel waren knapp und das Sammeln von Obst und Beeren war an der Tagesordnung.

Es war diese frühe Abhängigkeit von seiner Umwelt, die Daumiller seine Affinität zur Natur gab, eine Beziehung, die seine spätere Karriere als Designer beeinflusste.

Der Daumiller Stuhl von Rainer Daumiller

„Ich empfinde den Stuhl nicht als ‚Design‘, sondern als logisches Ergebnis guter Materialien und guter Handwerkskunst, hergestellt mit den heutigen Werkzeugen, um die ergonomischen und ästhetischen Anforderungen zu erfüllen, die ich von einem guten Stuhl erwarte.“
Rainer Daumiller

Von allen Möbeln, die der in Deutschland geborene Designer Rainer Daumiller entworfen hat, ist der Daumiller Sessel aus Kiefer vielleicht derjenige, der seine Werte und seinen Ansatz als Designer am besten zum Ausdruck bringt. Solide in der Konstruktion, einfach in der Form und skulptural im Ausdruck, zollen seine geradlinige Materialität und robuste Komposition Daumillers lebenslange Affinität zur Natur Tribut. Darüber hinaus zeigt die Wahl der Kiefer als Material durch den Designer ein Engagement für Nachhaltigkeit, das seiner Zeit voraus war.

Daumiller hatte die Idee für den Sessel, als er in den frühen 1970er Jahren in einer Bauernhofkommune lebte, aber erst als er 1975 nach Hirtshals an der dänischen Küste Jütland zog, fand er die Zeit, ihn richtig zu entwickeln. Inspiriert vom traditionellen dänischen Melkhocker sowie dem China Chair von Hans J. Wegner machte sich Daumiller daran, einen Stuhl zu schaffen, der sowohl Kinderspielen als auch Erwachsenenfesten standhält und gleichzeitig eine skulpturale Form hat, die Stärke und Zeitlosigkeit ausstrahlt.

Ein weiterer Vorteil von Kiefer ist, dass, obwohl der Stuhl ein klobiges, schwergewichtiges Aussehen hat, er relativ leicht ist. Dies ist besonders vorteilhaft, da – um der Tatsache Rechnung zu tragen, dass die Menschen seit der ursprünglichen Markteinführung des Stuhls im Allgemeinen grösser geworden sind – die Sitzhöhe angehoben wurde. Als Holz hat Kiefer eine ansprechende visuelle Textur, dank des Zusammenspiels von hellen und dunklen Adern, die durch sie verlaufen, und der Äste, die über die Oberfläche verstreut sind, was jedem Daumiller Sessel eine eigene Persönlichkeit verleiht. Der Daumiller Sessel ist auf Komfort beim Sitzen ausgelegt und auf Langlebigkeit ausgelegt und ein selbstbewusster Ausdruck von Materialität und lädt dazu ein, sich genauso tief in die Kiefer zu verlieben, wie es ihr Schöpfer getan hat.

Ob bei der Arbeit mit synthetischen Materialien oder in seiner geliebten Kiefer, Rainer Daumiller bewies stets ein ausgeprägtes Verständnis für sein Medium. Seine Fähigkeit, „auf Materialien zu hören“, bedeutet, dass seine Entwürfe immer von den inhärenten Eigenschaften dessen inspiriert waren, woraus sie hergestellt wurden. Seine berühmtesten Werke, darunter der Daumiller-Sessel, waren aus natürlichen Materialien und könnten fast als Kollaborationen mit der Natur und nicht als die einzigartigen Visionen eines einzelnen Designers bezeichnet werden.

SPACE KOPENHAGEN

Space Copenhagen (geboren 1973) und Peter Bundgaard Rützou (geb. 1966) wurde 2005 von zwei Absolventen der Architekturschule der Königlich Dänischen Akademie der Schönen Künste, Signe Bindslev Henriksen (geb. 1973) und Peter Bundgaard Rützou (geb. 1966) gegründet und ist ein Designstudio, das in verschiedenen Disziplinen tätig ist.

Angetrieben von Neugier ist es der Ehrgeiz des Studios, neue Wege zu beschreiten, indem es Gegensätze zwischen Klassik und Moderne, Industrie und Organik, Skulptur und Minimalität ausbalanciert. Ihre Arbeit zeichnet sich durch Dualitäten und Kontraste aus, das Ergebnis einer gründlichen Erforschung des Konzepts und einer akribischen Liebe zum Detail.

Die Seine Leuchtenkollektion von Space Copenhagen

„Dieses Projekt ist eine immaterielle Geschichte über Stimmungen, Sensibilität und Taktilität; Allgemeine Einführung: Tiefe und Ebenen. Das Ziel war es, eine nüchterne, einfache, saubere Lampe mit einer starken poetischen Note zu schaffen. Wir sind fasziniert von Glas und seinen inhärenten – fast magischen – Eigenschaften. Diese Kollektion ermöglicht es uns, eine Aussage über die Natur von Glas zu treffen und was es kann.“

– Signe Bindslev Henriksen und Peter Bundgaard Rützou, Designer, Space Copenhagen

Die Seine Collection by Space Copenhagen führt einen aufregenden neuen Materialausdruck – gemustertes mundgeblasenes Glas – in das Leuchtenportfolio von GUBI ein. Inspiriert vom Verhalten des Lichts in bewegtem Wasser hat Space Copenhagen die Form in einem zeitgenössischen Kontext neu interpretiert und eine Kollektion von drei Lampen geschaffen, die Vintage-Referenzen zu einem ausgesprochen modernistischen und dezenten Design verwebt und den Schimmer und die Bewegung eines sanft fliessenden Flusses hervorruft.

Für Space Copenhagen bot dieses Projekt die Möglichkeit, die Natur von Glas und Licht zu erforschen – und die Art und Weise, wie sie interagieren. Das Studio übersetzt Bilder von Wasser in dreidimensionale Form und zielt darauf ab, die Liquidität und Mehrdeutigkeit von Glas zu betonen – ein einzigartiges Material mit einem ganz eigenen Leben, das von einer fast ätherischen Atmosphäre des Geheimnisses durchdrungen ist.

Mit Seine verkörpert Space Copenhagen das empfindliche Gleichgewicht zwischen Funktion und Atmosphäre. Die Lampen beleuchten Räume effektiv und nutzen gleichzeitig die Kraft von Glas, um Licht zu mildern, zu schichten und zu verwischen und so ein verträumtes und reflektierendes Ambiente zu schaffen.

Die Seine Collection besteht aus einer dimmbaren Tischleuchte, einer Deckenleuchte und einer Pendelleuchte, die jeweils aus einer Glaskuppel bestehen, die mit vier Metallarmen an einem Sockel befestigt ist, der von Hand aus antikem Messing gefertigt wurde – eine Signatur der Entwürfe von Space Copenhagen für GUBI. Die Glühbirne ist in einem kugelförmigen Milchglasdiffusor untergebracht, der das Licht der Lampe konsolidiert und ein weiches, strukturiertes Leuchten erzeugt, das durch das Spiel mit dem Muster auf der Oberfläche des äusseren Schirms weiter angereichert wird.

In einer geometrischen und doch verspielten kleeartigen Form geformt, werden die Farbtöne hergestellt, indem das Glas in eine Form geblasen wird, die das Glas beim Aushärten in sein unverwechselbares Rillenmuster formt. Dies beeinflusst nicht nur das Lichtspiel, sondern verleiht jeder Lampe eine einladende Taktilität und eine ausdrucksstarke Tiefe – eine Schönheit und einen Charakter, der mitschwingt, egal ob das Licht ein- oder ausgeschaltet wird.

Die Seine-Schirme sind in Rauch- und Korallenvarianten erhältlich, was das Verhalten des Lichts der Lampe beeinflusst. Ersteres legt die innere Struktur der Lampe frei; Letzteres, innen sandgestrahlt, hat einen verschwommeneren, getrübten Ausdruck. Beide erzeugen ein poetisches, strukturiertes und geschichtetes Licht.

Die einzigartige Textur des Farbtons wurde digital erstellt, um den Kaskadeneffekt zu erzielen, den Space Copenhagen sich vorgestellt hatte. Dieses digital geformte Oberflächenmuster erzeugt ein Gefühl der Fliessfähigkeit im Glas und erinnert an die Bewegung und den Fluss eines Brunnens oder Wasserfalls, während die Dicke des Glases 5 mm bedeutet, dass der Schatten ein Gefühl von Schwere und Qualität hat und sein robustes Profil unterstreicht.

Der gleiche Schirm wird zwischen den Tisch- und Deckenleuchtenvarianten geteilt, während der der Pendelleuchte etwas kürzer geschnitten ist, um das Lichtfeld zu optimieren. An der Schnur der Tischlampe ist ein Dimmer angebracht, mit dem der Benutzer die Beleuchtungsstärke entsprechend der jeweiligen Aufgabe oder der Atmosphäre, die er schaffen möchte, einstellen kann.

Der private Esstisch von Space Copenhagen

„Es begann in erster Linie als Aufbewahrungsserie, aber in diesem Jahr bringen wir die Tischserie auf den Markt, von der wir auch glauben, dass sie viel Potenzial in einem modernen Zuhause hat, wo sie eine ruhige Szene für die häuslichen Rituale schaffen kann, einen Ort, an dem viele verschiedene Dinge passieren, sowohl bei der Arbeit als auch bei gesellschaftlichen Anlässen.“
Signe Bindslev Henriksen und Peter Bundgaard Rützou, Designer, Space Copenhagen

Mit den neuen Esstischen von GUBI hat Space Copenhagen die klaren Linien und den ausgewogenen Ausdruck, die die Private Collection auszeichneten, in eine neue Möbelkategorie übersetzt. Durch die Erweiterung der privaten Designsprache von Aufbewahrungs- und Ausstellungseinheiten bis hin zu Esstischen hat das Studio ein wirklich vielseitiges Tischkonzept geschaffen, das Eleganz und Symmetrie in die wichtigsten Räume des Hauses bringen kann.

Gross im Massstab, aber leicht im Aussehen, teilen die Esstische die gleiche Inspiration wie der Rest der Private Collection: die Schönheit, Balance und Einfachheit, die in antiken japanischen Möbeln zu finden sind. Die Tische verkörpern Space Copenhagens moderne Antwort auf die traditionellen Handwerkstechniken der japanischen Tischlerei, die visuell in charakteristische Designdetails übersetzt werden.

Der Private Dining Table besteht aus vier Holzelementen: Zwei konische Beine sind über einen Massivholz-Querbalken, der durch starke Metallbefestigungen gehalten wird, an der furnierten Tischplatte befestigt. Das Ergebnis ist ein stabiler und robuster Tisch, dessen Robustheit durch die Zartheit und Raffinesse seines Aussehens widerlegt wird.

In Anbetracht der sozialen Rituale des Essens in ihrem Design entschied sich Space Copenhagen, die Tische etwas schmaler zu machen, als es für Essmöbel typisch ist. Dies bietet viel Platz für alle Komponenten einer Familienmahlzeit, bringt aber auch die Gäste näher zusammen, ermöglicht intimere Erfahrungen und erleichtert das Gespräch mit einer grösseren Anzahl von Menschen, wodurch das Abendessen zu einer sehr geselligen Angelegenheit wird.

Die Einfachheit und dezente Eleganz seines Designs ermöglicht es, den Private Dining Table mit einer Vielzahl von Stuhltypologien zu kombinieren – von traditionellen Esszimmerstühlen bis hin zu moderneren Sitzstilen – was ihn zu einem ungewöhnlich vielseitigen Möbelstück macht.

Es stehen zwei Grössen zur Verfügung, die Optionen für Innenräume unterschiedlicher Proportionen bieten. Die schiere Grösse der 320-cm-Variante bedeutet, dass der Tisch neben grossen Abendessen für viele Menschen auch für viele Aktivitäten gleichzeitig genutzt werden kann. Dies ist eine besonders nützliche Funktion für grosse Haushalte, wenn ein Elternteil E-Mails auf einem Laptop abrufen möchte, während ältere Kinder ihre Hausaufgaben erledigen und ihre jüngeren Geschwister Kunstwerke oder Spiele betreiben.

Mit dem bestehenden Private Desk, der bereits als kleiner Esstisch sowie als Arbeitsplatz geeignet ist, kann die Private Collection nun ihren anmutigen Minimalismus in grössere Haushalte und mehr Dinnergäste bringen.

Wie bei den anderen Stücken der Privatsammlung werden die Esstische in zwei Ausführungsvarianten angeboten: braun-schwarz gebeiztes Eschenfurnier oder hellgebeiztes Eichenfurnier. Eine sorgfältig ausgewählte Mischung aus gemahlenem und geradkörnigem Korn sorgt für einen kohärenten Ausdruck in jedem Tisch. Diese Farben, gepaart mit der inhärenten Zeitlosigkeit des Designs, sorgen dafür, dass der Private Dining Table Räume jedes Stils ergänzt und mit einer breiten Palette von GUBI-Esszimmerstühlen sowie den anderen Ausstellungs- und Aufbewahrungseinheiten in der breiteren Private Collection kombiniert werden kann.

JOE COLOMBO

Das Leben des eigenwilligen italienischen Designers Joe Colombo (1930-1971) mag kurz gewesen sein, aber seine futuristische Vision von intelligenter Technologie und integrierten Lebensumgebungen hatte einen revolutionären Einfluss auf das Design der Mitte des Jahrhunderts.

Joe Colombos Designansatz war immer zukunftsorientiert und konzentrierte sich auf dauerhafte Innovationen und nicht auf flüchtige Trends. Sein Stil war typischerweise von Materialexperimenten und einer ausgeprägten Betonung der Funktionalität geprägt. Colombo sah Möbel vor, die unabhängig von der Architektur stehen konnten, die es umgab – chamäleonische Stücke, die sich an jeden Raum und zu jeder Zeit anpassen konnten.

Die Basket Collection von Joe Colombo

„Joe’s Basket Collection gibt traditionellen Materialien eine neue Form und nutzt eine innovative Struktur, die noch nie zuvor für so grosse und leichte Produkte verwendet wurde. Es ist wirklich aufregend, es wieder in der Produktion zu sehen und zu sehen, wie Joes Arbeit durch die Zusammenarbeit mit GUBI ein neues Publikum erreicht.“
Ignazia Favata, Colombos ehemalige Assistentin und jetzt Direktorin, Joe Colombo Studio

Auf den ersten Blick wird jeder, der mit der Arbeit von Joe Colombo vertraut ist, von der Basket Collection überrascht sein. Von einem Designer, der für seinen futuristischen Stil, seine Liebe zur Technologie und seine Affinität zu synthetischen Materialien bekannt ist, scheint eine Möbelkollektion aus Rattan eine signifikante Abkehr von der Norm zu sein. Schaut man jedoch etwas genauer hin, werden die Kennzeichen des klassischen Colombo deutlich: organische Linien, eine ausgesprochen modernistische Ästhetik und eine hochinnovative Herangehensweise an das von ihm gewählte Material.

Erstmals in den späten 1960er Jahren vom spezialisierten Rattanmöbelhersteller Pierantonio Bonacina produziert, der Colombo mit dem Design beauftragte, wird die Basket Collection von GUBI nach jahrzehntelanger Produktionsunterbrechung neu aufgelegt. Die Neuerfindung von GUBI bleibt Colombos Vision treu, wie sie in seinen Originalzeichnungen von 1967 dargestellt wird, und optimiert gleichzeitig die Proportionen für die ergonomischen Bedürfnisse der Gegenwart.

Der Name „Basket“ ehrt die klassische Handwebtechnik, die in der Rattankorbflechterei verwendet wird. Die Kollektion umfasst ein Dreisitzer-Sofa, ein Zweisitzer-Sofa und einen Loungesessel, die alle die gleiche Konstruktion haben. Der Kern jedes Stücks ersetzt die innere Glasfaserschale, die Colombo ursprünglich verwendete, und besteht nun aus einem umweltfreundlicheren Stahlskelett, das der einzigartigen Form Festigkeit und Stabilität verleiht. Dies ist mit einer handgewebten Rattanhaut bedeckt, die aus verschachtelten Streifen und ovalen Pfählen besteht, eine Technik, die ein enormes Mass an Geschicklichkeit und Handwerkskunst erfordert.

Das Design zeigt eine Balance zwischen Technik und Material und kombiniert traditionelle handwerkliche Methoden und eines der ältesten Handwerksmaterialien, die der Mensch kennt, mit der innovativen maschinellen Präzision von Kohlenstoffstahl – eine perfekte Mischung aus Handwerk und Industriellem.

Das Gestell ist mit abgerundeten Kissen an Sitz und Rückenlehne ausgestattet, die aus einem bequemen und unterstützenden Schaumstoff mit zylindrischen Polsterkissen bestehen, die den Seiten des Stuhls zusätzliche Weichheit und umarmende Wirkung verleihen. Die Kurven und Konturen der Kissen schaffen einen einladenden und organischen Look mit einer glatten Textur, die im Kontrast zu dem Gefühl der plätschernden Bewegung steht, das im Webmuster des darunter liegenden Rattans vermittelt wird.

Der schlanke Rahmen ermöglicht ein höheres Mass an Dämpfung, was zu einem unvergleichlich gemütlichen Lounge-Erlebnis führt. Kissenbezüge sind mit einer Reihe von Plüschbezugsoptionen sowohl für den Innen- als auch für den Aussenbereich erhältlich. Die Abdeckungen sind abnehmbar und bieten die Möglichkeit einer einfachen Reinigung.

GAMFRATESI

GamFratesi wurde 2006 in Kopenhagen von der dänischen Architektin Stine Gam (geb. 1975) und ihrem Partner, dem italienischen Architekten Enrico Fratesi (geb. 1978), gegründet. Das Paar teilt seine Zeit zwischen ihren Heimatstädten Kopenhagen, Dänemark, und Pesaro, Italien, auf. Ihr doppeltes Erbe beeinflusst die Produkte, die sie entwerfen – eine Kombination aus skandinavischer Balance und Harmonie und italienischem Überschwang und Offenheit.

Ihre unterschiedlichen Hintergründe zu verstehen und im Workshop aktiv anzusprechen, ermöglicht es, diese zu vertiefen. Als Paar agieren sie in Symbiose und teilen alles über ihr persönliches und berufliches Leben hinweg. Gam verfolgt einen besonderen und durchdachten Designansatz, während Fratesi sich konzeptionell und energischer bewegt. Diese instinktive und spontane Verschmelzung zweier Arbeitsweisen ist eine ihrer wichtigsten Stärken.

Die Doric Couchtische von GamFratesi

„Durch die Neuinterpretation eines Merkmals der klassischen Architektur bringt der Doric Table das Gewicht der Geschichte in eine zeitgenössische Umgebung. Die besondere Form des Beines schafft es, starr und formell, aber gleichzeitig dekorativ und weich zu sein. Im geriffelten Detail wird ein massives Steinelement dekorativ, während die Gesamtgeometrie des Designs erhalten bleibt.“
Stine Gam und Enrico Fratesi, GamFratesi

Der Doric Couchtisch von GamFratesi hat seinen Namen von der Doricn Ordnung der antiken griechischen – und später römischen – Architektur. Die älteste und am wenigsten ornamentale der drei klassischen Ordnungen, die Doric Architektur, zeichnet sich durch Zurückhaltung, Symmetrie und Einfachheit aus, wobei sich die dekorativen Merkmale im Allgemeinen auf die vertikale Wellenbildung beschränken, die so eng mit der Doricn Säule verbunden ist. Griechische und römische Architekten entdeckten, dass das Schnitzen von Rillen in den Stein dazu führte, dass die Säulen ein abgerundeteres Profil als eine glatte Oberfläche aufwiesen und der Form des Gebäudes ein Gefühl von Rhythmus und Gleichgewicht verliehen.

Als Antwort auf die architektonischen Traditionen der klassischen Ära setzt GamFratesis Doric Table eine Erkundung fort, die das Duo mit dem Epic Table begann, und erweitert die Materialuntersuchung des Studios auf die ästhetischen und funktionalen Möglichkeiten von Kalkstein. Das Ergebnis sind zwei sehr unterschiedliche Ausdrücke und zwei unterschiedliche Reaktionen auf dieselbe Inspiration: die klassische Kolumne. Die Tische sind entweder aus Travertin oder Kalkstein gefertigt – Baumaterialien, die seit der Römerzeit verwendet werden. Obwohl sie sich in der Farbe unterscheiden, haben beide Sorten von Naturstein eine rohe Materialität, die dem Tisch eine reiche Textur und Tiefe verleiht, und eine natürliche Aderung, die dem Ausdruck jedes Tisches ein inhärentes visuelles Interesse verleiht.

Das bestimmende Merkmal des Doricn Tisches ist die nach innen gerichtete Krümmung der Beine, das Ergebnis der Materialsubtraktion von einer einfachen Form. Was ein monolithisches, hartkantiges Profil hätte sein können, erhält eine unerwartete und verführerische Leichtigkeit und Weichheit, indem es in jedes seiner vier Beine eingraviert wird – eine zeitgenössische Neuinterpretation der geriffelten Details, die oft in der Doricn Säule zu finden sind. Durch die Rekontextualisierung dieses einzelnen architektonischen Details in einem Möbelstück gelingt es GamFratesi, dem Design einen Sinn für Geschichte zu verleihen, der sein unverwechselbar modernes Erscheinungsbild ausgleicht. Während die Oberfläche des Tisches die natürliche Schönheit des Steins zeigt, demonstrieren seine Beine die skulpturale Qualität des Stücks und betonen das Niveau der Handwerkskunst, das in seine Entstehung eingeflossen ist.

Wie die dänisch-italienische Paarung, die GamFratesi als Praxis prägt, ist der Doric Tisch ein Design von Dualitäten, Kontrasten und Harmonien, die scheinbar gegensätzliche Eigenschaften in einem einzigen kohärenten Ausdruck zusammenfassen. Neben dem Historischen und dem Zeitgenössischen ist der Tisch sowohl geschwungen als auch geometrisch, hart und weich, wobei die rechteckige Form der Tischplatte durch ihre sanft abgerundeten Ecken und die dekorativen Konturen der geschnitzten Beine ausgeglichen wird. Auf die gleiche Weise ist es solide und monumental, aber es hat auch eine Zartheit, eine Leichtigkeit der Präsenz und eine skulpturale Qualität, die seinen ästhetischen Ausdruck bereichert und gleichzeitig seine Vielseitigkeit als Möbelstück erhöht.

Der Tisch ist in zwei Arten von Naturstein erhältlich, jede mit ihrer eigenen unverwechselbaren Farbe. Die Travertin-Version ist ein wunderschön nuanciertes Neutral White; während der Kalkstein ein lebhaftes elektrisches Grau ist, das ein dramatischeres Muster hat. Jedes Stück, das in diesen Steinen hergestellt wird, ist einzigartig, die alte Geschichte der Erde ist in ihre Oberfläche eingeschrieben. Diese Farboptionen stellen sicher, dass das Design bequem in jedem Stil der Umgebung sitzen kann und seinen eigenen unverwechselbaren Charakter beibehält, ohne den Raum aus dem Gleichgewicht zu bringen. Der Doric Table ist in zwei Grössen erhältlich: einer quadratischen Version, ideal für gemütliche Ecken, und einer grösseren länglichen Variante, die sich gut zu längeren Sitzen und Sofas eignet

Beetle Chair in 3D-Furnier von GamFratesi

„Die Designsprache des Beetle Chair eignet sich für die Wiedergabe in Holz, was die ‚inspired by nature‘-Geschichte des Käfers unterstreicht. Holz ist ein fantastisches, warmes und natürliches Material und der Käfer in 3D-Furnier schafft es, das Beste aus diesen ästhetischen Eigenschaften auszudrücken. Die Schale war schon immer ein Designmerkmal; Die Form des Käfers ist anmutig, perfekt gekrümmt. Furnier ist das ideale Material, um es in diese organische Form zu formen – die dreidimensionale Form verstärkt seine Maserung und Farbe.“
Stine Gam und Enrico Fratesi, GamFratesi

Im Jahr 2013 stellten GUBI und GamFratesi den Beetle Chair der Welt vor, und ein moderner Klassiker war geboren. Jetzt, ein Jahrzehnt später, hat das Studio sein wegweisendes Designkonzept in 3D-Furnier neu erfunden – dem Käfer einen kühnen neuen natürlichen Ausdruck verliehen und seinen Status als archetypisches Design, das in einer Vielzahl von Materialien interpretiert werden kann, weiter betont.

Die Furnier-Edition übernimmt die organische, von der Natur inspirierte Form der ursprünglichen Käferschale und passt sie an die Realitäten der Arbeit mit Furnier an. Das Ergebnis übersetzt die markanten Kurven des Käfers in eine geformte Holzschale, die dem Stuhl eine neue Materialästhetik verleiht, ohne den Komfort zu beeinträchtigen, für den er bekannt geworden ist, und die Relevanz des Designs auf noch mehr Innenräume ausdehnt.

Die Schale dieser neuen Iteration besteht aus zwei separaten Teilen. Die Rückenlehne und der Sitz sind durch interne Federstahlhalterungen verbunden, die von aussen unsichtbar sind. Jedes Stück wird mit einer Biegepresse in 3D geformt – eine Methode zur Formgebung von Furnier, die von Designern aus der Mitte des Jahrhunderts entwickelt wurde.

Die 3D-Technologie ermöglicht es Designern, organische Formen herzustellen, die einst unmöglich zu erstellen waren. Diese Formtechnik ist einzigartig in der Lage, die ausgeprägte Krümmung des Käfers mit Furnier zu erzeugen und gleichzeitig seinen Komfort und seine Flexibilität zu maximieren. Dies erforderte einen umfangreichen Prozess des Experimentierens, um zu perfektionieren. Die Umwandlung des Furniers von einer ebenen Oberfläche in eine dreidimensionale Form verleiht dem Material auch Tiefe und Textur, betont die vertikale Maserung und Farbe des Holzes und verleiht dem Stuhl ein hochwertiges Aussehen und einen natürlichen Charakter.

Trotz des Übergangs des Käfers zu einem neuen Material ist die ursprüngliche Inspiration von GamFratesi – und der Namensgeber des Designs – immer noch in der Form der Furnieredition zu sehen, vielleicht sogar noch mehr. Der gewundene Sitz und die Rückenlehne sind visuelle Echos der segmentierten Teile des Körpers eines Käfers; die harte äussere Schale spiegelt das schützende Exoskelett des Insekts wider; und der gepolsterte Sitz und die Rückenlehne verweisen auf den weichen Körper im Inneren. Die Zugabe von Holzfurnier unterstreicht nur die Verbindung des Designs mit der Natur und den Formen der Natur, die es inspiriert haben.

Der Käfer war schon immer mit einem hohen Mass an Fähigkeiten in der Herstellung verbunden, aber mit der Furnier-Edition hat GamFratesi ein noch höheres Mass an Handwerk eingeführt. Der Treffpunkt der beiden Schalen sowie die Verbindung zwischen Holz und Polsterung unterstreichen die Handwerkskunst, die in den Stuhl eingeflossen ist, und betonen seine präzise Detaillierung und anmutige Form. Die Dicke der Schale variiert: breiter an den Verbindungspunkten, um eine grössere Festigkeit zu ermöglichen, aber dünner an den Kanten, um die ikonische Silhouette zu erhalten.

Helle und dunkle Holzfurniere sind erhältlich: Eiche und amerikanischer Nussbaum. Zusammen mit der grossen Auswahl an Polsteroptionen bedeutet dies, dass der Stuhl mit Innenräumen jedes Stils oder jeder Farbpalette abgestimmt werden kann und gleichermassen effektiv zu Hause oder in der Gastfreundschaft eingesetzt werden kann, wo er einen auffälligen und unvergleichlich bequemen Sitz bildet. Wie bei der bestehenden Beetle Collection sind diese neuen furnierten Editionen als Ess-, Bar-, Theken- und Besprechungsstühle konfigurierbar.

COLOR DROP

In den 1970er Jahren waren wir verrückt nach Farbe. Kräftige Farbtöne, erdige Töne, verspielte Akzente, glänzende Neutraltöne – das ganze Spektrum von dezent bis markant. Jetzt befinden wir uns mitten in einer Retro-Renaissance, da die Töne und Texturen der unverwechselbaren Ästhetik des Jahrzehnts wieder en vogue sind.

Die Beleuchtung ist natürlich der Schlüssel zu jedem Interieur. Unsere Auswahl an Lampen und die Qualität ihres Lichts können die Stimmung des Raumes bestimmen oder verderben. Mit Sorgfalt ausgewählt und positioniert, können Statement-Leuchten die Ästhetik eines Raumes wirklich verbessern. Einige der beliebtesten Stile, die 2022 in das Haus gebracht werden, sind diejenigen mit einer Ästhetik, die direkt aus den 1970er Jahren gepflückt wurde – unverwechselbare Kollektionen wie Semi, Turbo und Gräshoppa, langjährige Designfavoriten, die heute beliebter denn je sind.

SEMI

Der Semi Pendant von Claus Bonderup und Torsten Thorup, eine Ikone des dänischen Designs, die erstmals 1968 produziert wurde, war in den 1970er und 80er Jahren eine der gefragtesten Leuchten. Mit dem Stil dieser Jahrzehnte wieder in Mode, hat GUBI die Semi-Kollektion um drei neue Farboptionen erweitert, die von der unverwechselbaren Innenausstattung der Zeit inspiriert sind: gerösteter Kürbis, Fenchelsamen und dunkler Kakao.

Die Neuauflagen verfügen alle über hochglänzende Oberflächen auf dem Aussenschirm, die auf einen Geschmack für glänzende, reflektierende Oberflächen verweisen, die in den späteren Jahren der 70er Jahre entstanden und bis ins folgende Jahrzehnt anhielten. Die Innenseite des Farbtons ist mit einer cremefarbenen Matte versehen, die Kontrast schafft und die Lichtverteilung maximiert.

Mit dem Angebot der Semi Pendant-Familie in dieser Auswahl an organischen, erdigen und verspielten Retro-Farben hat GUBI die Palette der Innenausstattung erweitert, die der Semi ergänzen kann. Die bestehende Palette von Metallics und Monochromen macht den Anhänger ideal für klare, minimalistische Räume. Jetzt, mit der Zugabe von warmen, erdenden Tönen, die in saisonalen Gewürzen und der natürlichen Welt verwurzelt sind, ist das zeitlose Design von Bonderup und Thorup gleichermassen in wärmeren, gemütlicheren und rustikaleren Räumen zu Hause.

T U R B O

Louis Weisdorfs skulpturaler Klassiker der 1960er Jahre startet in einem Alabaster-White-Finish, wodurch das beliebte GUBI-Design eine noch grössere Vielfalt an Innenpaletten ergänzt. Die neue cremefarbene Farbe verleiht dem Farbton eine Note von Wärme, wobei ein glänzendes, hochglänzendes Finish einen Hauch von Glanz verleiht.

Erstmals 1965 entworfen, aber erst 1967 produziert, blieb Weisdorfs Anhängerdesign in den 1970er Jahren sehr beliebt, wobei seine geschwungene, skulpturale Struktur jeder Decke, die es schmückte, visuelle Anziehungskraft verlieh. Hergestellt aus 12 spiralförmigen Schichten, wurde die blumenartige Kugel des Schirms von traditionellen japanischen Reispapierlampen inspiriert, was dem Anhänger eine luftige Leichtigkeit verleiht. Die Alabaster White Edition hat einen glänzenden Rand des Farbtons, mit einem matten Finish auf der Innenseite, das nuancierte Kontraste von Licht und Textur erzeugt.

Die beiden Grössen von Weisdorfs Turbo Pendant sind Dauerbrenner sowohl moderner Häuser als auch öffentlicher Räume, perfekte Beispiele für seine Affinität zu geometrischen Formen und seine Anziehungskraft auf sich wiederholende Elemente. Im neuen Finish von GUBI erhält Weisdorfs Klassiker eine neu gewonnene Weichheit und Tiefe.

G R Ä S H O P P A

Die Einführung neuer Farben für die Gräshoppa Collection durch GUBI fällt mit einer erneuten weltweiten Wertschätzung für die Ästhetik der 1970er Jahre zusammen – gekennzeichnet durch erdige, natürliche Farbtöne sowie glänzende, glänzende Oberflächen. Die drei neuen Oberflächen fangen sowohl die Liebe zur Natur als auch die Neigung zu hochglänzenden Texturen ein, die das Jahrzehnt definiert haben.

Walnussbraun ist eine der bekanntesten Farben der 1970er Jahre – ein rustikaler Farbton, der an rohe Erde und Baumrinde erinnert. In einer Zeit, in der immer mehr von uns versuchen, den Trost der Natur durch unsere Farbauswahl in unsere Häuser zu bringen, ist Walnussbraun eine ideale Option für diejenigen, die eine erdende Farbe suchen, die in einem modernen Kontext sofort an den Stil der 70er Jahre erinnert.

Alabasterweiss ist eine reichhaltige Creme – ein Farbton, der die Vielseitigkeit eines neutralen Elements ohne die Strenge eines reinen Weisses bietet und der Atmosphäre eine einladende Wärme verleiht. Im Gegensatz dazu unterstreicht die Black Edition die Identität des Gräshoppa als Statement-Piece und unterstreicht die unverwechselbare Silhouette des Designs.

Ursprünglich in den 1950er Jahren entworfen, hat sich die Gräshoppa Stehleuchte von Grossman zu einem der beliebtesten Designs in der Leuchtenkollektion von GIGI entwickelt und zieht dank der Art und Weise, wie sie die Form ihres gleichnamigen Insekts in nur wenigen einfachen Linien ausdrückt, eine hingebungsvolle Anhängerschaft an. Die Mischung aus Eleganz und Verspieltheit der Stehleuchte spiegelt sich in der Tischleuchte und dem Anhänger wider, so dass die einzigartige Designsprache von Grossman jede Haushaltsbeleuchtungsfunktion erfüllen kann.