Das Unternehmen Moroso
Seit 1952 entwirft und realisiert Moroso Polstergarnituren und Einrichtungszubehör, und seit über 50 Jahren werden diese Objekte von qualifizierten internationalen Designern entworfen. Moroso wird von der zweiten Generation der Familie durchgeführt – Roberto hat das Firmen-Management übernommen und Patrizia die Position der Art Direktorin – und verkörpert die Entwicklung des italienischen.
Unternehmens, das von einem Handwerker gegründet worden ist und bis den 90er Jahren vom Vater Agostino verkörpert wurde. Verfügbar für Auseinandersetzungen, hat die Firma mit Mut und Bestimmtheit und aufgrund des Mottos “machen und gut machen”, typisch in Italien nach dem zweiten Weltkrieg, eine tiefe Handwerk- und Schneidererfahrung mit dem industriellen Produktionsprozess vereinbart und Design, moderne Kunst und Mode zusammen integriert.Moroso bietet nicht nur seinen Katalog an, der die formale und stilistische Forschung der letzten 30 Jahre synthetisiert, sondern auch seine eigene Projekt- und Produktionserfahrung in seiner Herstellung und Personalisierung besonderer Projekte gleichermassen für gehobenen Wohn-oder Objektbereich. Durch das Talent der mehr als 70 Handwerkermeister, die besten Lieferanten und die hochwertigen Materialien wird jedes einzelne Element sorgfältig untersucht worden denn es beiträgt, jedes Produkt das einzige zu machen. Forschung, Talent, Erfahrung, Land – Qualität ist das Merkmal jedes Gegenstandes, das seine Natur ausmacht und ihn von allen anderen unterscheidet.
Moroso macht mit Diesel eine Kollektion in lässigen und bequemen Farben, die von einer zwanglosen Wohnidee ausgeht. Zielgruppe ist ein Publikum, das schlichte Formen in „“moderner““ Lesart bevorzugt, die in hochwertiger Qualität und einem ungezwungen, geradlinigen Stil ihre wichtigsten Merkmale hat. „““Wir haben mit dem Kreativteam von Diesel, angeführt von seinem künstlerischen Leiter Wilbert Das, zusammengearbeitet, um die interessante Idee einer alternativen Kollektion zu entwickeln, in der zwei unterschiedliche – aber nebeneinander bestehende – Aspekte einiger Trends der Gegenwart vertreten sind: ein dunklerer, angeregt von der Welt des Underground, mit aggressiver, rätselhafter Ästhetik, der andere, unbeschwerte, der sich Anregungen aus der Natur und sichtbaren Helligkeit bezieht, mit weichen, einladenden Formen““, wie Patrizia Moroso erläutert, die – wie immer – den kreativen Prozess in all seinen Phasen persönlich überwacht.
Der Argentinier Alfredo Häberli (1964) ist ein international renommierter Designer, der in Zürich lebt und arbeitet. Häberli ist sehr produktiv und arbeitet für international führende Design-Unternehmen wie BMW, Georg Jensen, Kvadrat, Moroso und Vitra. In seinen Entwürfen will er Tradition und Innovation, Lebensfreude und Energie verbinden. Stark beeinflusst wurde seine Arbeit durch die ersten Kindheitsjahre in Argentinien, durch seine Neugierde und seinen Forschungsdrang. Das Ergebnis ist ein sehr emotionsgeladenes, ausdrucksstarkes Design.
Produkte und Entwürfe von Alfredo Häberli waren in zahlreichen Ausstellungen in ganz Europa zu sehen. Ausserdem wurde er im Laufe seiner langen Karriere mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet. 2014 erhielt Alfredo Häberli den angesehenen Grand Prix Design des Schweizerischen Bundesamts für Kultur. Sein bisher grösstes Projekt, das 25hours Hotel Zürich West, wurde im November 2012 eröffnet. Häberli war dabei nicht nur für die Planung der gesamten Inneneinrichtung verantwortlich, sondern entwarf für das Hotel über 60 Produkte.
Antonio Citterio wurde 1950 in Meda geboren. Er machte seinen Hochschulabschluss in Studio im Jahr 1972, in dem er sich hauptsächlich mit industriellem Design beschäftigt. Im Jahr 1981 beginnt die Tätigkeit der architektonischen Planung und Innenausstattung. Derzeit arbeitet er mit italienischen und ausländischen Betrieben zusammen. Unter den erhaltenen Auszeichnungen ist im Jahr 1987 und 1995 der Compasso d’Oro (Goldener Zirkel) zu verzeichnen. Viele Produkte sind in den Dauerausstellungen des Museum of Modern Art in New York und in den Dauerausstellungen des Centre Pompidou in Paris ausgestellt.
Marco Casamonti promoviert 1990 an der Universität von Florenz und im Jahr 2001 erhält er die Befähigung als ordentlicher Professor für Architektur und Stadtplanung an der Universität Genua. Er übt eine intensive Tätigkeit mit kritischen Vertiefungen und Überlegungen zu Themen der Architektur aus, indem er Abhandlungen und Arbeiten veröffentlicht und Konferenzen und Vorträge hält. Seit 1997 ist er verantwortlicher Chefredakteur der internationalen Zeitschrift über Architektur Area, seit 1999 ist er Co-Redakteur mit Paolo Portoghesi der Zeitschrift Materia, beide der Gruppe 24 ORE. Im Jahr 1988 gründet er gemeinsam mit Laura Andreini und Giovanni Polazzi das Studio Archea und im Jahr 1999 wird Silvia Fabi Teilhaber. Archea ist ein Network von etwa 100 Architekten, die in sieben verschiedenen Standorten arbeiten: in Florenz, Mailand, Rom, Peking, Dubai und San Paolo. Die Interessen und die Forschungstätigkeit des Studios bewegen sich von vom Land zur Stadt, vom Gebäude zum Design und obwohl die Architektur im Mittelpunkt steht, gehen die Projekte von der Grafik bis zum Verlagswesen, von Ausstellungen zu Eventen. Die Komplementarität und der Übergang der Skala, die von der Kritik zum Bau rückt, ermöglicht eine ergänzende Operativität, die in den verschiedenen kompositorischen Formen des Projekts fähig macht, einzuschreiten. Neben der Forschung im Projektbereich übt jedes Mitglied des Studios eine parallele Tätigkeit bei der Fakultät für Architektur in Florenz und Genua aus. Zu den wichtigsten Projekten können genannt werden: die Gemeindebibliothek von Nembro (Bergamo), Florenz), der UBPA B3-2 Pavilion World Expo 2010 und das GEL, Green Energy Laboratory von Shanghai, die Erweiterung und Umwidmung des Sitzes von Perfetti Van Melle in Lainate bei Milano. In Bau befindlich sind der Turm von Tirana, Albanien, das “Meravigliosa Island” in “the World” in Dubai, UAE, die Changri-La Winery in Penglai und die Li Ling World Ceramic Art City, in China.
Atelier Oï wurde 1991 von Aurel Aebi, Armand Louis und Patrick Reymond im Schweizer La Neuveville gegründet. Von Anfang an setzte das künstlerische Konzept auf eine Aufhebung der Unterschiede zwischen den Genres und kehrte den Disziplinen übergreifenden Charakter hervor. Die Arbeiten von internationaler Bedeutung bewegen sich von Architektur, Inneneinrichtung zu Design und Inszenierungen. Multidisziplinäre Arbeit, Teamgeist und enge Beziehung zur Materie sind die Grundlagen der schöpferischen Philosophie von atelier oï. Experimentierfreude ist ebenfalls ein wichtiger Aspekt, wenn Produkte durch die intuitive, emotionale Beziehung zur Verarbeitung verschiedener Materialien entstehen. Entwürfe von atelier oï erhielten renommierte internationale Preise. Neben Experimenten, kulturellem Austausch und kreativen Events, arbeitet atelier oï auch für prominente Verleger.
Studio Birsel + Seck für Produktdesign wurde 2002 von Ayse Birsel und Bibi Seck mit dem Sitz in New York gegründet. Birsel + Seck arbeitet für renommierte Kunden, um innovative Produkte auf den Markt zu bringen. Die Fähigkeit, Informationen synthetisch zu erfassen und in neue, einfache und auf den Menschen zugeschnittene Entwürfe umzusetzen, ist die besondere Stärke von Ayse und Bibi. Gemeinsam werden frühere Thesen zerlegt und zu neuen Erfahrungen verarbeitet. Ihre Innovation kommt nicht aus dem Problem, sondern aus der Art, wie es betrachtet wird. Die wichtigsten Mitarbeiter von Birsel + Seck sind die Kunden, die Arbeiten von Ayse und Bibi entstehen aus der Verschmelzung ihrer Kreativität mit dem Wissen und der Erfahrung ihrer Kunden. Darunter Herman Miller, Hewlett Packard, Target, Toyota, Dassault Systèmes, Hasbro und Moroso.
Benjamin Hubert wurde im Jahr 1984 in England geboren. Er studierte Industriedesign und Technologie an der Loughborough University und machte dort im Jahr 2006 seinen Abschluss. Sein Design-Studio Benjamin Hubert Ltd spezialisierte sich auf Industriedesign in den Bereichen Möbel, Beleuchtung, gemeinen Gegenständen und Installationen und arbeitet mit internationalen Unternehmen zusammen. Das Studio arbeitet für verschiedene Projektarten, die sowohl die Massen- und Serienproduktion als auch limitierte Editionen und Einzelstücke umfassen. Benjamin Hubert hat auf internationaler Ebene sowohl von den Kritikern und den Medien Zuspruch erhalten, stellt seine Werke auf der ganzen Welt aus und hat eine Reihe von renommierten Auszeichnungen erhalten.
Concetta Giannageli, Architektin-Designerin, setzt ihre Erfahrung als cultural-educational designer in Kreativität für neue Gegenstände um: das führt zu einem Design, das den Einfluss der Entstehungsprozesse sucht, den kreativen Ausdruck als allgemeines Konzept der Erschaffung und Herstellung von Schönheit sieht und die Überschneidung von handwerklichen Methoden und neuen Technologien ausprobiert. Einen neuen Gegenstand herzustellen wird so zu einer Gelegenheit, mit gemeinsamen Praktiken zu experimentieren, mit neuen, überraschenden Ergebnissen, die durch vorausgegangene Interrelationen entstehen und sich einer zeitgemässen, relationalen Ästhetik stellen. Sie arbeitete für Gregotti Associati International, Guido Canali Architetto, Prada, Villa Manin Centro d’Arte Contemporanea, Modidi…Creare Sostenibile. Zurzeit ist sie Head of Creative Team & Prototyping Atelier in Moroso.
Daniel Libeskind ist bekannt für seine Fähigkeit durch zeitgenössische Bauwerke, die das Konzept des Gleichgewichts herausfordern, ein kulturelles Gedächtnis zu schaffen. Beeinflusst durch eine starke Hingabe zur Musik, Philosophie und Literatur, strebt Libeskind die Schaffung einer typischen, originalen und erschwinglichen Architektur und Design an. Er wurde in Lód’z (Polen) im Jahr 1946 geboren und ist als Jugendlicher in die Vereinigten Staaten ausgewandert. Daniel Libeskind hat 1989 sein Architekturbüro in Berlin gegründet, nachdem er die Ausschreibung für den Bau des Jüdischen Museum in Berlin gewonnen hatte. Im Februar 2003 wurde der Sitz des Architekturbüros von Berlin nach New York verlegt, nachdem Libeskind dazu erwählt wurde, den Master Plan des neuen World Trade Center anzufertigen. Das Architekturbüro Libeskind beschäftigt sich mit der Planung und Ausführung von Werken im städtischen, kulturellen und wirtschaftlichen Bereich auf internationaler Ebene. Das Büro hat Bauwerke wie Museen, Konzertsäle, Kongresszentren, Universitätsgebäude, Hotels, Einkaufszentren und Wohnanlagen realisiert. Als erster Architekt des Büros Libeskind, hält Daniel Konferenzen über Kunst und Architektur an Universitäten und bei Fachkongressen. Sein Stil und seine Ideen waren Gegenstand von vielen Artikeln und Ausstellungen und haben den Bereich der Architektur und der Stadt- und Kulturentwicklung beeinflusst. Libeskind lebt mit seiner Frau und beruflichen Partnerin, Nina Libeskind, in New York.
David Adjaye OBE wurde in Tansania als Sohn ghanaischer Eltern geboren. Er wurde von der zeitgenössischen Kunst und Musik, der Wissenschaft, den afrikanischen Kunstformen und dem städtischen Leben beeinflusst. Im Jahr 2000 gründete er das Büro Adjaye Associates und erhielt sehr rasch einige renommierte Aufträge. Das Büro Adjaye Associates hat derzeit einen Sitz in London und in New York und arbeitet auf der ganzen Welt an Projekten, die von Möbeln bis hin zur Stadtplanung reichen. Unter den letzteren Aufträgen sind zu nennen: das Smithsonian National Museum of African American History der National Mall in Washington DC, das Concept Store Alara in Lagos, das Kunst- und Einkaufszentrum Aishti Foundation in Beirut und das Gebäude des neuen Sitzes der International Finance Corporation in Dakar.
David Weeks wurde in Madison, Wisconsin, geboren. Er ist aufgewachsen in Athens, im Bundesstaat Georgia und schloss seine Studien in Providence ab, wo er sein Diplom in Malerei an der Rhode Island School of Design erwarb. Aber Weeks ist eng mit einem anderen Ort verbunden: Brooklyn.
In diesem lebendigen New Yorker Viertel gründete Weeks 1996 ein Studio unter seinem Namen in einer aufgelassenen, umfunktionierten Fabrik. Er war einer der Gründer der aufstrebenden lokalen Szene, die dem amerikanischen Design ein neues Gesicht gab. Die exklusive Mischung von Brooklyn – halb Industrie, halb Handwerk – war entscheidend für seine Sensibilität. So trug er mit seiner Arbeit dazu bei, die Bewegung eines unabhängigen Designs zu bestimmen, das seine Ursprünge gerade in diesem Stadtviertel hat: eine Bewegung, die jene unterstützt, die kreativ und konstruktiv sind und einen zeitgenössischen Stil mit handwerklicher Fertigkeit alter Schule verbinden.
Weeks übersiedelte nach dem College nach New York, um Maler zu werden. Ein Praktikum beim Schmuckdesigner Ted Muehling bewog ihn, von den schönen Künsten auf Gegenstände des täglichen Gebrauchs umzusteigen. Von Anfang an entwarf Weeks in seinem Studio Produkte der verschiedensten Art. Sehr rasch erregte er Aufmerksamkeit und Lob mit seinen innovativen, poetischen Beleuchtungssystemen, die wie Skulpturen konzipiert waren. Seine erste Stehlampe fand die Beachtung des einflussreichen Design-Stores Troy in SoHo, das in den 1990er Jahren und Anfang des neuen Jahrtausends massgeblich bestimmte, wer zur Elite der avantgardistischen Talente gehörte. Die Arbeit von Weeks erweiterte sich sehr rasch was Dimensionen und Ambitionen betraf: Es entstanden seine Deckenleuchten im Spiel von Gleichgewicht und Bewegung, was dem Produkt das Aussehen von Schmuckstücken beschert. Diese ikonischen Objekte wurden vom exklusiven, angesehenen Design-Showroom Pucci International ausgestellt. Weeks ist es auch zu verdanken, dass luxuriöse Leuchten einen wahren Verkaufsboom erlebten. Obwohl sich Weeks internationalen Ruhm und Erfolg erworben hat, bleibt seine ästhetische Sensibilität fest mit der lokalen Kultur seiner Wahlheimat New York verbunden.
2013 folgt Weeks nochmals seinem kreativen Bedürfnis nach Erweiterung und eröffnet ein Atelier mit Schaufenster: So kann er seine Arbeit auf eine Art zeigen, die seine Vision am besten wiedergibt. Diese Räumlichkeiten im Stadtteil TriBeCa lenken die Aufmerksamkeit noch mehr auf das breite Spektrum und die Besonderheit von David Weeks‘ Studio, aber gibt ihm auch Gelegenheit zu neuen, kreativen Experimenten.
Für Dominique Pétot, ausgebildeter Architekt und Industriedesigner, verbindet sich Möbeldesign mit hochwertigen Einrichtungen, die in Korrelation mit Image und Merchandising stehen und neue Konzepte für Geschäfte entstehen lassen: Le Bon Marché, Le Printemps. Er lebt seit 1998 in Dakar und entwirft erfreuliche Möbel, die vor allem auf Komfort, Farben und ein Mix verschiedener Materialien setzen. Entdeckt wurde er auf den Biennalen von Dakar und Saint Etienne, dann auf der Frankfurter Messe, dank der grossen Wanderausstellung: „design made in africa“ von 2005, für die er das Sofa Méridienne entworfen hatte und damit eine Revolution in der Flechtkunst von Westafrika auslöste. Er entwirft grosszügige, einladende Formen, die der Natur und ihren Blumen entlehnt sind und in den Sesseln Iris und Ibiscus, und 2010 im Sofa Cardamone, umgesetzt wurden. Méridienne, das Originalexemplar aus Edelstahl, wurde 2015 angekauft und ausgewählt für die bedeutende Wanderausstellung „making africa“ vom Vitra Design Museum mit der Guggenheim Foundation.
Edward van Vliet gehört zur modernen niederländischen Designer-Generation, die es verstanden hat, international Aufmerksamkeit zu erregen. Gemeinsam mit dem gleichnamigen Atelier setzte er entscheidende Impulse sowohl im Produktdesign als auch in der Innenarchitektur, in der Objekt-, Wohnungs- und Geschäftseinrichtung. Seine Arbeit zeichnet sich durch grosse Sorgfalt in jedem Detail aus, die enorme Vielfalt der Einflüsse, die sich gegenseitig befruchten, liessen eine Expressivität von bemerkenswerter Qualität entstehen. Mit seiner 25jährigen Erfahrung in Design und Käufertrends sowie der engen Kooperation mit international renommierten Marken und Firmen, konnte Edward van Vliet eine erfrischende Mentalität in ein zielorientiertes Design einbringen und hochwertige Ergebnisse erzielen.
Geboren in Udine im Jahr 1952, vollendet sein Universitätsstudium in Florenz und Venedig, wo er im Jahr 1979 den Abschluss in Architektur macht. Parallel zur künstlerischen Arbeit (im Jahr 1972 wurde er zur 36. Biennale von Venedig für den Sektor dekorative Kunst eingeladen) engagiert er sich in den Bereichen Architektur und industrielle Zeichnungen, wo er die Möglichkeit hatte, mit einigen der namhaftesten Möbelbetriebe arbeiten zu können. Viele Projekte der Architektur und Interior Design werden in den angesehensten Zeitschriften des Sektors veröffentlicht. Im Jahr 1991 gewinnt er den ersten Preis beim Wettbewerb Top Ten, ausgeschrieben von Promosedia. Aus dem Jahr 1999 ist die ehrenvolle Erwähnung beim Preis Compasso d’Oro (Goldener Zirkel) für den Sessel Asia und im Jahr 2005 erhält er für den Sessel Lagoa den Reddot Design Award.
Die italienische Designerin Federica Capitani studierte Industriedesign an der Fakultät für Architektur der Universität Genua. Von 2002 bis 2005 arbeitete sie für Patricia Urquiola in Mailand und ging von 2005 bis 2007 zu Marcel Wanders nach Amsterdam, wo sie für Produkt- und Möbeldesign verantwortlich war. Nach einem Aufenthalt in Japan, wo sie sich mit Kultur- und Designprojekten beschäftigt hatte, übersiedelte Federica 2009 nach London und gründete das Federica Capitani Design Studio. Ihre Arbeiten erstrecken sich von kleinen Zweckgegenständen zu Architekturprojekten, Schwerpunkt sind Möbel und Beleuchtungskörper. Federica lebt und arbeitet zwischen Mailand und London, wo derzeit unterrichtet Federica am Royal College of Art in London.
Numen / For Use ist ein österreichisch-kroatisches Design-Kollektiv, das bekannt für Arbeiten ist, die sich an der Schnittstelle zwischen Szenographie, Industrie- und Raumdesign sowie Konzeptkunst bewegen. Die Gruppe wurde 1998 durch die Zusammenarbeit der Industriedesigner Sven Jonke, Christoph Katzler und Nikola Radeljkovic gegründet und tritt unter dem Namen For Use auf. Im Jahr 1999 gründeten sie das Label Numen, unter dem Projekte ausserhalb des Bereichs des Industrie-Designs realisiert werden. Nach dem Jahr 2004, nach Abschluss eines grossen standortspezifischen Projekts für die Herstellung des Bühnenbilds für „Inferno“ am Centro Dramático Nacional in Madrid, hat Numen / For Use begonnen, seinen Schwerpunkt vorwiegend auf die Szenographie zu verlagern. Es folgten weitere Bühnenbilder in Theatern in ganz Europa. Seit 2008 liegt ein Schwerpunkt auf Entwicklung und Umsetzung begehbarer Installationen ohne vordefinierter Funktion, um hybride und experimentelle Projekte zu schaffen, wie zum Beispiel die N-Light Series und die Installation Tape, Net und Tuft, die in öffentlichen Bereichen und Kunstgalerien auf der ganzen Welt ausgestellt sind.
Sofia Lagerkvist und Anna Lindgren bilden das schwedische Designerduo Front. Ihre Produkte entstehen aus ihren Diskussionen, Untersuchungen und Experimenten: sie arbeiten an allen Projekten gemeinsam, von der ersten Idee bis zum fertigen Produkt. Ihre Gegenstände erzählen dem Betrachter häufig eine Geschichte über den kreativen Prozess, das Material, aus dem sie hergestellt sind und den Konventionen, die in diesem Bereich gelten. Die Kreativität von Front bezieht ihre Anregungen von Tieren, Computern und Maschinen. Sie haben Interieurs in steter Entwicklung, explosive Gegenstände, roboterartige Einrichtungen und Möbel mit dem Reiz der Magie entworfen.
Gordon Guillaumier wurde auf Malta geboren und studierte in der Schweiz, in England und Italien. Sein Diplom in Industrial Design machte er am IED Mailand (1988-91) und absolvierte dann einen Master in Industrial Design an der Domus Academy Mailand (1988-91). 1993 folgte ein Praktikum bei Baleri Associati. Im gleichen Jahr arbeitete er auch mit dem Architekten und Designer Rodolfo Dordoni. In dieser Zeit lieferte Gordon seine ersten Entwürfe für Foscarini und andere Marken. 2002 gründete er sein eigenes Studio in Mailand, wo er sich mit Produkt- und Einrichtungsdesign beschäftigte und als Konsulent tätig war. In der Funktion als Konsulent und Art Director arbeitete er für Driade (Kollektionen Atlantide und DHouse), Sanitärzubehör für Dornbracht Interiors, Küchen für Rational, Möbel für die Kollektion Fiam’s Liv’it und war neuerdings Art Director von Roda (Gartenmöbel) und Pamar (Accessoires und Griffleisten). Als Produktdesigner arbeitete Gordon für zahlreiche internationale Unternehmen; Porzellan und Wäsche für den Haushalt Bosa, Pandora, Paola C und De Vecchi, Möbel für Arketipo, CasaMilano, Desalto, De Sede, Fontana Arte, Frag, Gebrüder Thonet Wien, Matteo Grassi, Montina, Minotti, Moroso, Lema, Roda, Tacchini und Varaschin, Lampen für Foscarini, AV Mazzega und OLuce, Geräte für Elica, Griffleisten für Pamar, Sanitärzubehör für Nobili Rubinetterie, Azzurra Ceramiche, Kronos Ceramiche und Ceramiche Piemme. Seine Arbeiten in Interieur Design konzentrieren sich vor allem auf Wohnprojekte: sein Studio erstellte Bau- und Einrichtungsplanungen für Privatkunden. Gordon nahm an diversen Ausstellungen und Messen teil: “Pro-gettare”, Abitare II Tempo, Verona (1999), Pandora Design, Mailand (2001); Molteni Villa Torlonia (2002); Pamar, Palazzo Crivelli (2006/2012); Roda, Mailänder Möbelsalon (2006/2013); Mondadori/Interni (2011/2014). 2006 wirkte er als Professor an der Fakultät für Industriedesign am Politecnico Mailand. Seine Arbeiten werden häufig in internationalen Design-Magazinen veröffentlicht.
Javier Mariscal (Valencia, 1950) kreiert vor allem Bilder und nutzt dazu alle Arten von Trägermaterial und jede Disziplin. Möbeldesign, Einrichtungsdesign, grafisches Design, Landschaftsplanung, Malerei, Bildhauerei, Illustrationen, Web-Design, multimediale Kunst und Animation: alles ist Gegenstand seiner beruflichen Tätigkeit. Mariscal findet seinen Ausdruck in einer sehr persönlichen Sprache, komplex in den Intentionen, einfach in den Aussagen, unschuldig und provokant zugleich, um zu erneuern, Risiken einzugehen und zu kommunizieren; um im Betrachter Emotionen zu erzeugen und ein Einverständnis mit seinem Gegenüber herzustellen. Er suggeriert ein Bündnis mit unserer mediterranen Kultur und drückt eine Form des Verstehens verschiedener Welten und des Lebens aus, mit der wir mühelos in Kontakt treten können. Seine Werke sind in permanenten Sammlungen internationaler Museen vertreten, darunter MoMA, Fundación La Caixa in Barcelona, Colección Ricard in Paris, Colección Aigües in Barcelona, IVAM in Valencia, Museum of Art in Philadelphia.
Die Arbeiten von Jörg Schellmann, geboren 1944, orientieren sich mehr an den Grundsätzen für industrielle und kommerzielle Produkte als an denen für Interieur Design. Funktionalität ist nicht nur Zweck, sondern auch eine Voraussetzung für ihr Design. So entstehen Gegenstände von grossem praktischen Wert, radikaler Schlichtheit und strenger Schönheit. Die Bezüge auf Konzeptkunst und Minimalismus stützen sich auf Schellmanns grosse Erfahrung als Kunstverleger (Schellmann Art) in München und New York. In dieser Funktion produzierte er limitierte Ausgaben von Drucken, Objekten und Möbeln prominenter Künstler wie Joseph Beuys, Daniel Buren, Liam Gillick, Donald Judd, Sol LeWitt, Gerhard Merz und Andy Warhol. Jörg Schellmann entwirft seine Möbel seit 2006. Er lebt und arbeitet in München.
Karmelina Martina wurde in Sarajevo geboren, aber lebt und arbeitet in Udine. 2001 macht sie mit Auszeichnung ihren Hochschulabschluss in Industrial Design in Florenz. Ihre Lehrer waren Vanni Pasca, Isao Hosoe, Paolo Deganello und andere prominente Designer. Seit 2006 koordiniert sie die Abteilung für Entwicklung und Industrialisierung bei Moroso. Sie versucht das Design zu perfektionieren, und zwar in dem Bereich, in dem die zweckmässige technische Überlegung von der symbolischen und emotionellen Motivation getrennt wird. Neben der Tätigkeit als Product Development hat sie auch Schmuckstücke, Lampen und private Wohnungen geplant.
Marc Newson gilt als einer der einflussreichsten Designer seiner Generation. Er arbeitete in unterschiedlichsten Disziplinen und entwarf praktisch alles: von Möbeln, elektrischen Haushaltsgeräten, Fahrrädern, Autos, Privat- und Passagierflugzeugen bis zur Vergnügungsyacht. Er lieferte auch Bauplanungen und schuf Skulpturen für Kunden in aller Welt. Newson lebte und arbeitete in Tokyo, Paris und London, wo er derzeit wohnt, aber er ist ständig auf Reisen. Zu seinen Kunden gehören viele der bekanntesten und berühmtesten Marken der Welt, in der Fertigungsindustrie und in den Bereichen Technologie, Transport, Mode und Luxusgüter. Geboren 1963 in Sydney, verbrachte Newson seine Kindheit zwischen Europa und Asien. Schon als Student beschäftigte er sich mit Möbeldesign und dank eines Stipendiums des Australian Crafts Council, nahm er mit der Liege Lockheed Lounge an seiner ersten Ausstellung teil: heute, zwanzig Jahre später, stellte sie vier Mal hintereinander den Weltrekord bei einer Versteigerung auf. Newson leitet nicht nur sein eigenes Atelier Marc Newson Ltd, sondern bekleidet auch Ämter von grossem Prestige bei einigen seiner Kunden: So ist er Brand Ambassador für Qantas Airways und Designer für Special Projects bei Apple. Seine Werke sind in den bedeutendsten internationalen Sammlungen ausgestellt, so etwa im MoMA New York, im Design Museum und im V&A London, im Centre Georges Pompidou Paris und im Vitra Design Museum in Deutschland.
Das Büro Marc Thorpe Design wurde 2005 in New York von Architekt Marc Thorpe gegründet. International bekannt ist Thorpe durch seine innovativen, dynamischen Arbeiten und einen rigorosen Weg der Integration von Architektur, Design und Technik. Thorpe und sein Team arbeiten gemeinsam mit den Kunden an der Entwicklung und Umsetzung von Wachstumsstrategien für deren Marken. Sein Büro erstellt Konzepte für Marken-Design und verfügt über die Ressourcen, schlüssige Kommunikationsplattformen in verschiedenen Sparten zu erzeugen: Architektur, Inneneinrichtung, Branding, Möbel- und Produktdesign, Retail- und Exhibition-Design. Thorpe und sein Team waren für so prominente Marken wie Moroso, Tod’s, Stella Artois, Mercedes Benz, Under Armour, Coca-Cola, Infiniti, Saatchi & Saatchi, ABInBev, David Yurman, Esquire, L’Oreal, Yahoo, Patron, Davidoff und Cooper Hewitt tätig.
Marcel Wanders, Gründer des gleichnamigen Büros in Amsterdam, ist ein kreativer Visionär, vielfach ausgezeichnet und weltweit anerkannt. Lob für seine Nutzung von Design, Innovation und Technologie erhielt er von Magazinen wie Business Week, Elle Decoration, The Washington Post und WIRED. Er ist für so legendäre Marken wie Alessi, KLM Airlines, Baccarat, Bisazza, Christofle, Kose/ Cosme Decorte, Mac, Puma, Swarovski und Louis Vuitton tätig. Mehr als 1700 Produkte tragen seinen Namen. Er war Mitbegründer der Erfolgsmarke Moooi. Geplant als Plattform für Talente aus aller Welt, ist sie in 79 Ländern präsent und machte Marcel zu einem Synonym für hochwertiges Design auf internationaler Ebene. Nach dem mit Auszeichnung bestandenen Diplom an der ArtEZ Academy von Arnheim und dem Besuch eines Executive MBA an der INSEAD, wurde er Konsulent von THNK School of Creative Leadership; seine Kollektionen von Design und Architektur sind im MoMA New York und San Francisco, im Victoria & Albert Museum in England, im Centre Pompidou in Frankreich und im Stedelijk Museum Amsterdam zu sehen. Marcel will vor allem eine menschliche Note in das Design zurückbringen und es in eine neue Design-Ära führen, wie er das nennt, wo Designer, Handwerker und Nutzer endlich wieder zusammenfinden. Seine Arbeit erzeugt Emotionen, provoziert, polarisiert, aber hört nie auf, durch Erfindungsreichtum, Mut und die einzigartige Suche nach einer höheren geistigen Ebene zu überraschen. In allem, was er gemacht hat und noch machen wird, bleibt er seinem Anspruch treu: „ein Ambiente der Liebe erzeugen, mit Leidenschaft leben, an der Verwirklichung der schönsten Träume arbeiten“.
Martino Gamper (geboren 1971 in Meran) lebt und arbeitet in London. Er beginnt seine Laufbahn als Lehrling bei einem Möbeltischler in Meran und studiert dann Bildhauerei mit Michelangelo Pistoletto an der Akademie der bildenden Künste in Wien. 2000 erwirbt er den Abschluss am Royal College of Art in London, sein Lehrer war Ron Arad. Martino Gamper beschäftigt sich mit Kunst und Design und arbeitet in den Bereichen Ausstellungs- und Einrichtungsdesign, übernimmt Aufträge für Einzelstücke und designt Serienprodukte für eine moderne, internationale Möbelindustrie. Gamper zeigte seine Arbeiten und Entwürfe in vielen massgeblichen, internationalen Ausstellungen, wie „100 Chairs in 100 days“, Touring Show, RMIT, Melbourne, Australien; „Transformers“, MAXXI, Rom (2016); „design is a state of mind“, Serpentine Sackler Gallery, London (2014); „In A State of Repair“, Rinascente, Mailand (2014). Er erhielt 2011 den Moroso Award for Contemporary Art und den Brit Insurance Designs of the Year, 2008 den Furniture Award für das Design von „100 Chairs in 100 days“.
Massimo Iosa Ghini erwirbt sein Diplom am Politecnico in Mailand. Er ist einer der einflussreichsten italienischen Architekten und Designer auf internationaler Ebene. Seit 1985 gehört er zur Avantgarde in Architektur und Design in Italien: er gründet die kulturelle Bewegung Bolidismo und ist Mitglied der Gruppe Memphis von Ettore Sottsass. Seit 1989 arbeitet er auch auf internationaler Ebene; im gleichen Jahr hat er seine erste Ausstellung an der Inspiration Gallery im Axis Building in Tokio und in Osaka werden ihm die Schlüssel der Stadt überreicht. 1990 eröffnet er Iosa Ghini Associati, das heute in Mailand, Bologna, Moskau und Miami tätig ist und Projekte für Grosskonzerne und internationale Developer entwickelt. Er beschäftigt sich mit der Planung von Wohn- und Geschäftsbauten, Museen, kulturellen Installationen, der Planung von Räumen und Strukturen für den öffentlichen Verkehr, sowie mit dem Design für Einzelhandelsketten in aller Welt. Viele seiner Produkte finden sich in internationalen Museen und Privatsammlungen und erhielten zahlreiche Preise und Anerkennungen, wie beispielsweise Roscoe Award, USA, Compasso D’Oro ADI, Good Design Award des Chicago Athenaeum, IAI Green Design Award, Cina, iF Product Design Award und Red Dot Award, Deutschland. 2013 widmete ihm die Triennale Mailand eine gesamte Anthologie seiner 30jährigen beruflichen Karriere; 2015 verlieh ihm die Stiftung Marconi und das Marconi Institute for Creativity den Marconi-Preis für Kreativität als Anerkennung für seine gestalterischen Leistungen.
Werte von Moroso
Unternehmens, das von einem Handwerker gegründet worden ist und bis den 90er Jahren vom Vater Agostino verkörpert wurde. Verfügbar für Auseinandersetzungen, hat die Firma mit Mut und Bestimmtheit und aufgrund des Mottos “machen und gut machen”, typisch in Italien nach dem zweiten Weltkrieg, eine tiefe Handwerk- und Schneidererfahrung mit dem industriellen Produktionsprozess vereinbart und Design, moderne Kunst und Mode zusammen integriert.Moroso bietet nicht nur seinen Katalog an, der die formale und stilistische Forschung der letzten 30 Jahre synthetisiert, sondern auch seine eigene Projekt- und Produktionserfahrung in seiner Herstellung und Personalisierung besonderer Projekte gleichermassen für gehobenen Wohn-oder Objektbereich. Durch das Talent der mehr als 70 Handwerkermeister, die besten Lieferanten und die hochwertigen Materialien wird jedes einzelne Element sorgfältig untersucht worden denn es beiträgt, jedes Produkt das einzige zu machen. Forschung, Talent, Erfahrung, Land – Qualität ist das Merkmal jedes Gegenstandes, das seine Natur ausmacht und ihn von allen anderen unterscheidet.Design Service von Moroso
Seit 1952 entwirft und realisiert Moroso Polstergarnituren und Sitzmöbel durch die enge Verbindung zwischen seiner Planungsbegabung und die Kreativität der italienischen und internationalen Designers. Moroso ist eine führende Präsenz nach vielen Jahren von Hingabe, Können und Beachtung seiner Meisterhandwerker, die zusammen mit den hochkarätigen, internationalen Designern, diese Qualitäten in Produkte und Projekte umgewandelt haben, die für das private Wohnen ebenso wie für den Objektbereich geeignet sind. Wir können Einrichtungskombinationen anbieten, die einzig für ihre Identität und ästhetischen Wert sind, und das ist möglich durch die bezeichnende Qualität unserer Kreativgruppe, die das Begriffsfeld des Projekts ahnen, erwarten und auslegen kann und die Grenzen des industriellen Designs zu den angrenzenden Kunst- und Architekturbereich überschreitet.Einrichtungsbereiche von Moroso
Hospitality
Educational
Travel
Health Care
Corporate
Shop
DIESEL by Moroso
Moroso macht mit Diesel eine Kollektion in lässigen und bequemen Farben, die von einer zwanglosen Wohnidee ausgeht. Zielgruppe ist ein Publikum, das schlichte Formen in „“moderner““ Lesart bevorzugt, die in hochwertiger Qualität und einem ungezwungen, geradlinigen Stil ihre wichtigsten Merkmale hat. „““Wir haben mit dem Kreativteam von Diesel, angeführt von seinem künstlerischen Leiter Wilbert Das, zusammengearbeitet, um die interessante Idee einer alternativen Kollektion zu entwickeln, in der zwei unterschiedliche – aber nebeneinander bestehende – Aspekte einiger Trends der Gegenwart vertreten sind: ein dunklerer, angeregt von der Welt des Underground, mit aggressiver, rätselhafter Ästhetik, der andere, unbeschwerte, der sich Anregungen aus der Natur und sichtbaren Helligkeit bezieht, mit weichen, einladenden Formen““, wie Patrizia Moroso erläutert, die – wie immer – den kreativen Prozess in all seinen Phasen persönlich überwacht.
Designer bei Moroso
Alfredo Häberli
Der Argentinier Alfredo Häberli (1964) ist ein international renommierter Designer, der in Zürich lebt und arbeitet. Häberli ist sehr produktiv und arbeitet für international führende Design-Unternehmen wie BMW, Georg Jensen, Kvadrat, Moroso und Vitra. In seinen Entwürfen will er Tradition und Innovation, Lebensfreude und Energie verbinden. Stark beeinflusst wurde seine Arbeit durch die ersten Kindheitsjahre in Argentinien, durch seine Neugierde und seinen Forschungsdrang. Das Ergebnis ist ein sehr emotionsgeladenes, ausdrucksstarkes Design.
Produkte und Entwürfe von Alfredo Häberli waren in zahlreichen Ausstellungen in ganz Europa zu sehen. Ausserdem wurde er im Laufe seiner langen Karriere mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet. 2014 erhielt Alfredo Häberli den angesehenen Grand Prix Design des Schweizerischen Bundesamts für Kultur. Sein bisher grösstes Projekt, das 25hours Hotel Zürich West, wurde im November 2012 eröffnet. Häberli war dabei nicht nur für die Planung der gesamten Inneneinrichtung verantwortlich, sondern entwarf für das Hotel über 60 Produkte.
Antonio Citterio
Antonio Citterio wurde 1950 in Meda geboren. Er machte seinen Hochschulabschluss in Studio im Jahr 1972, in dem er sich hauptsächlich mit industriellem Design beschäftigt. Im Jahr 1981 beginnt die Tätigkeit der architektonischen Planung und Innenausstattung. Derzeit arbeitet er mit italienischen und ausländischen Betrieben zusammen. Unter den erhaltenen Auszeichnungen ist im Jahr 1987 und 1995 der Compasso d’Oro (Goldener Zirkel) zu verzeichnen. Viele Produkte sind in den Dauerausstellungen des Museum of Modern Art in New York und in den Dauerausstellungen des Centre Pompidou in Paris ausgestellt.
archea associati
Marco Casamonti promoviert 1990 an der Universität von Florenz und im Jahr 2001 erhält er die Befähigung als ordentlicher Professor für Architektur und Stadtplanung an der Universität Genua. Er übt eine intensive Tätigkeit mit kritischen Vertiefungen und Überlegungen zu Themen der Architektur aus, indem er Abhandlungen und Arbeiten veröffentlicht und Konferenzen und Vorträge hält. Seit 1997 ist er verantwortlicher Chefredakteur der internationalen Zeitschrift über Architektur Area, seit 1999 ist er Co-Redakteur mit Paolo Portoghesi der Zeitschrift Materia, beide der Gruppe 24 ORE. Im Jahr 1988 gründet er gemeinsam mit Laura Andreini und Giovanni Polazzi das Studio Archea und im Jahr 1999 wird Silvia Fabi Teilhaber. Archea ist ein Network von etwa 100 Architekten, die in sieben verschiedenen Standorten arbeiten: in Florenz, Mailand, Rom, Peking, Dubai und San Paolo. Die Interessen und die Forschungstätigkeit des Studios bewegen sich von vom Land zur Stadt, vom Gebäude zum Design und obwohl die Architektur im Mittelpunkt steht, gehen die Projekte von der Grafik bis zum Verlagswesen, von Ausstellungen zu Eventen. Die Komplementarität und der Übergang der Skala, die von der Kritik zum Bau rückt, ermöglicht eine ergänzende Operativität, die in den verschiedenen kompositorischen Formen des Projekts fähig macht, einzuschreiten. Neben der Forschung im Projektbereich übt jedes Mitglied des Studios eine parallele Tätigkeit bei der Fakultät für Architektur in Florenz und Genua aus. Zu den wichtigsten Projekten können genannt werden: die Gemeindebibliothek von Nembro (Bergamo), Florenz), der UBPA B3-2 Pavilion World Expo 2010 und das GEL, Green Energy Laboratory von Shanghai, die Erweiterung und Umwidmung des Sitzes von Perfetti Van Melle in Lainate bei Milano. In Bau befindlich sind der Turm von Tirana, Albanien, das “Meravigliosa Island” in “the World” in Dubai, UAE, die Changri-La Winery in Penglai und die Li Ling World Ceramic Art City, in China.
Atelier Oï
Atelier Oï wurde 1991 von Aurel Aebi, Armand Louis und Patrick Reymond im Schweizer La Neuveville gegründet. Von Anfang an setzte das künstlerische Konzept auf eine Aufhebung der Unterschiede zwischen den Genres und kehrte den Disziplinen übergreifenden Charakter hervor. Die Arbeiten von internationaler Bedeutung bewegen sich von Architektur, Inneneinrichtung zu Design und Inszenierungen. Multidisziplinäre Arbeit, Teamgeist und enge Beziehung zur Materie sind die Grundlagen der schöpferischen Philosophie von atelier oï. Experimentierfreude ist ebenfalls ein wichtiger Aspekt, wenn Produkte durch die intuitive, emotionale Beziehung zur Verarbeitung verschiedener Materialien entstehen. Entwürfe von atelier oï erhielten renommierte internationale Preise. Neben Experimenten, kulturellem Austausch und kreativen Events, arbeitet atelier oï auch für prominente Verleger.
Studio Birsel + Seck
Studio Birsel + Seck für Produktdesign wurde 2002 von Ayse Birsel und Bibi Seck mit dem Sitz in New York gegründet. Birsel + Seck arbeitet für renommierte Kunden, um innovative Produkte auf den Markt zu bringen. Die Fähigkeit, Informationen synthetisch zu erfassen und in neue, einfache und auf den Menschen zugeschnittene Entwürfe umzusetzen, ist die besondere Stärke von Ayse und Bibi. Gemeinsam werden frühere Thesen zerlegt und zu neuen Erfahrungen verarbeitet. Ihre Innovation kommt nicht aus dem Problem, sondern aus der Art, wie es betrachtet wird. Die wichtigsten Mitarbeiter von Birsel + Seck sind die Kunden, die Arbeiten von Ayse und Bibi entstehen aus der Verschmelzung ihrer Kreativität mit dem Wissen und der Erfahrung ihrer Kunden. Darunter Herman Miller, Hewlett Packard, Target, Toyota, Dassault Systèmes, Hasbro und Moroso.
Benjamin Hubert
Benjamin Hubert wurde im Jahr 1984 in England geboren. Er studierte Industriedesign und Technologie an der Loughborough University und machte dort im Jahr 2006 seinen Abschluss. Sein Design-Studio Benjamin Hubert Ltd spezialisierte sich auf Industriedesign in den Bereichen Möbel, Beleuchtung, gemeinen Gegenständen und Installationen und arbeitet mit internationalen Unternehmen zusammen. Das Studio arbeitet für verschiedene Projektarten, die sowohl die Massen- und Serienproduktion als auch limitierte Editionen und Einzelstücke umfassen. Benjamin Hubert hat auf internationaler Ebene sowohl von den Kritikern und den Medien Zuspruch erhalten, stellt seine Werke auf der ganzen Welt aus und hat eine Reihe von renommierten Auszeichnungen erhalten.
Concetta Giannageli
Concetta Giannageli, Architektin-Designerin, setzt ihre Erfahrung als cultural-educational designer in Kreativität für neue Gegenstände um: das führt zu einem Design, das den Einfluss der Entstehungsprozesse sucht, den kreativen Ausdruck als allgemeines Konzept der Erschaffung und Herstellung von Schönheit sieht und die Überschneidung von handwerklichen Methoden und neuen Technologien ausprobiert. Einen neuen Gegenstand herzustellen wird so zu einer Gelegenheit, mit gemeinsamen Praktiken zu experimentieren, mit neuen, überraschenden Ergebnissen, die durch vorausgegangene Interrelationen entstehen und sich einer zeitgemässen, relationalen Ästhetik stellen. Sie arbeitete für Gregotti Associati International, Guido Canali Architetto, Prada, Villa Manin Centro d’Arte Contemporanea, Modidi…Creare Sostenibile. Zurzeit ist sie Head of Creative Team & Prototyping Atelier in Moroso.
Daniel Libeskind
Daniel Libeskind ist bekannt für seine Fähigkeit durch zeitgenössische Bauwerke, die das Konzept des Gleichgewichts herausfordern, ein kulturelles Gedächtnis zu schaffen. Beeinflusst durch eine starke Hingabe zur Musik, Philosophie und Literatur, strebt Libeskind die Schaffung einer typischen, originalen und erschwinglichen Architektur und Design an. Er wurde in Lód’z (Polen) im Jahr 1946 geboren und ist als Jugendlicher in die Vereinigten Staaten ausgewandert. Daniel Libeskind hat 1989 sein Architekturbüro in Berlin gegründet, nachdem er die Ausschreibung für den Bau des Jüdischen Museum in Berlin gewonnen hatte. Im Februar 2003 wurde der Sitz des Architekturbüros von Berlin nach New York verlegt, nachdem Libeskind dazu erwählt wurde, den Master Plan des neuen World Trade Center anzufertigen. Das Architekturbüro Libeskind beschäftigt sich mit der Planung und Ausführung von Werken im städtischen, kulturellen und wirtschaftlichen Bereich auf internationaler Ebene. Das Büro hat Bauwerke wie Museen, Konzertsäle, Kongresszentren, Universitätsgebäude, Hotels, Einkaufszentren und Wohnanlagen realisiert. Als erster Architekt des Büros Libeskind, hält Daniel Konferenzen über Kunst und Architektur an Universitäten und bei Fachkongressen. Sein Stil und seine Ideen waren Gegenstand von vielen Artikeln und Ausstellungen und haben den Bereich der Architektur und der Stadt- und Kulturentwicklung beeinflusst. Libeskind lebt mit seiner Frau und beruflichen Partnerin, Nina Libeskind, in New York.
David Adjaye OBE
David Adjaye OBE wurde in Tansania als Sohn ghanaischer Eltern geboren. Er wurde von der zeitgenössischen Kunst und Musik, der Wissenschaft, den afrikanischen Kunstformen und dem städtischen Leben beeinflusst. Im Jahr 2000 gründete er das Büro Adjaye Associates und erhielt sehr rasch einige renommierte Aufträge. Das Büro Adjaye Associates hat derzeit einen Sitz in London und in New York und arbeitet auf der ganzen Welt an Projekten, die von Möbeln bis hin zur Stadtplanung reichen. Unter den letzteren Aufträgen sind zu nennen: das Smithsonian National Museum of African American History der National Mall in Washington DC, das Concept Store Alara in Lagos, das Kunst- und Einkaufszentrum Aishti Foundation in Beirut und das Gebäude des neuen Sitzes der International Finance Corporation in Dakar.
David Weeks
David Weeks wurde in Madison, Wisconsin, geboren. Er ist aufgewachsen in Athens, im Bundesstaat Georgia und schloss seine Studien in Providence ab, wo er sein Diplom in Malerei an der Rhode Island School of Design erwarb. Aber Weeks ist eng mit einem anderen Ort verbunden: Brooklyn.
In diesem lebendigen New Yorker Viertel gründete Weeks 1996 ein Studio unter seinem Namen in einer aufgelassenen, umfunktionierten Fabrik. Er war einer der Gründer der aufstrebenden lokalen Szene, die dem amerikanischen Design ein neues Gesicht gab. Die exklusive Mischung von Brooklyn – halb Industrie, halb Handwerk – war entscheidend für seine Sensibilität. So trug er mit seiner Arbeit dazu bei, die Bewegung eines unabhängigen Designs zu bestimmen, das seine Ursprünge gerade in diesem Stadtviertel hat: eine Bewegung, die jene unterstützt, die kreativ und konstruktiv sind und einen zeitgenössischen Stil mit handwerklicher Fertigkeit alter Schule verbinden.
Weeks übersiedelte nach dem College nach New York, um Maler zu werden. Ein Praktikum beim Schmuckdesigner Ted Muehling bewog ihn, von den schönen Künsten auf Gegenstände des täglichen Gebrauchs umzusteigen. Von Anfang an entwarf Weeks in seinem Studio Produkte der verschiedensten Art. Sehr rasch erregte er Aufmerksamkeit und Lob mit seinen innovativen, poetischen Beleuchtungssystemen, die wie Skulpturen konzipiert waren. Seine erste Stehlampe fand die Beachtung des einflussreichen Design-Stores Troy in SoHo, das in den 1990er Jahren und Anfang des neuen Jahrtausends massgeblich bestimmte, wer zur Elite der avantgardistischen Talente gehörte. Die Arbeit von Weeks erweiterte sich sehr rasch was Dimensionen und Ambitionen betraf: Es entstanden seine Deckenleuchten im Spiel von Gleichgewicht und Bewegung, was dem Produkt das Aussehen von Schmuckstücken beschert. Diese ikonischen Objekte wurden vom exklusiven, angesehenen Design-Showroom Pucci International ausgestellt. Weeks ist es auch zu verdanken, dass luxuriöse Leuchten einen wahren Verkaufsboom erlebten. Obwohl sich Weeks internationalen Ruhm und Erfolg erworben hat, bleibt seine ästhetische Sensibilität fest mit der lokalen Kultur seiner Wahlheimat New York verbunden.
2013 folgt Weeks nochmals seinem kreativen Bedürfnis nach Erweiterung und eröffnet ein Atelier mit Schaufenster: So kann er seine Arbeit auf eine Art zeigen, die seine Vision am besten wiedergibt. Diese Räumlichkeiten im Stadtteil TriBeCa lenken die Aufmerksamkeit noch mehr auf das breite Spektrum und die Besonderheit von David Weeks‘ Studio, aber gibt ihm auch Gelegenheit zu neuen, kreativen Experimenten.
Dominique Pétot
Für Dominique Pétot, ausgebildeter Architekt und Industriedesigner, verbindet sich Möbeldesign mit hochwertigen Einrichtungen, die in Korrelation mit Image und Merchandising stehen und neue Konzepte für Geschäfte entstehen lassen: Le Bon Marché, Le Printemps. Er lebt seit 1998 in Dakar und entwirft erfreuliche Möbel, die vor allem auf Komfort, Farben und ein Mix verschiedener Materialien setzen. Entdeckt wurde er auf den Biennalen von Dakar und Saint Etienne, dann auf der Frankfurter Messe, dank der grossen Wanderausstellung: „design made in africa“ von 2005, für die er das Sofa Méridienne entworfen hatte und damit eine Revolution in der Flechtkunst von Westafrika auslöste. Er entwirft grosszügige, einladende Formen, die der Natur und ihren Blumen entlehnt sind und in den Sesseln Iris und Ibiscus, und 2010 im Sofa Cardamone, umgesetzt wurden. Méridienne, das Originalexemplar aus Edelstahl, wurde 2015 angekauft und ausgewählt für die bedeutende Wanderausstellung „making africa“ vom Vitra Design Museum mit der Guggenheim Foundation.
Edward van Vliet
Edward van Vliet gehört zur modernen niederländischen Designer-Generation, die es verstanden hat, international Aufmerksamkeit zu erregen. Gemeinsam mit dem gleichnamigen Atelier setzte er entscheidende Impulse sowohl im Produktdesign als auch in der Innenarchitektur, in der Objekt-, Wohnungs- und Geschäftseinrichtung. Seine Arbeit zeichnet sich durch grosse Sorgfalt in jedem Detail aus, die enorme Vielfalt der Einflüsse, die sich gegenseitig befruchten, liessen eine Expressivität von bemerkenswerter Qualität entstehen. Mit seiner 25jährigen Erfahrung in Design und Käufertrends sowie der engen Kooperation mit international renommierten Marken und Firmen, konnte Edward van Vliet eine erfrischende Mentalität in ein zielorientiertes Design einbringen und hochwertige Ergebnisse erzielen.
Enrico Franzolini
Geboren in Udine im Jahr 1952, vollendet sein Universitätsstudium in Florenz und Venedig, wo er im Jahr 1979 den Abschluss in Architektur macht. Parallel zur künstlerischen Arbeit (im Jahr 1972 wurde er zur 36. Biennale von Venedig für den Sektor dekorative Kunst eingeladen) engagiert er sich in den Bereichen Architektur und industrielle Zeichnungen, wo er die Möglichkeit hatte, mit einigen der namhaftesten Möbelbetriebe arbeiten zu können. Viele Projekte der Architektur und Interior Design werden in den angesehensten Zeitschriften des Sektors veröffentlicht. Im Jahr 1991 gewinnt er den ersten Preis beim Wettbewerb Top Ten, ausgeschrieben von Promosedia. Aus dem Jahr 1999 ist die ehrenvolle Erwähnung beim Preis Compasso d’Oro (Goldener Zirkel) für den Sessel Asia und im Jahr 2005 erhält er für den Sessel Lagoa den Reddot Design Award.
Federica Capitani
Die italienische Designerin Federica Capitani studierte Industriedesign an der Fakultät für Architektur der Universität Genua. Von 2002 bis 2005 arbeitete sie für Patricia Urquiola in Mailand und ging von 2005 bis 2007 zu Marcel Wanders nach Amsterdam, wo sie für Produkt- und Möbeldesign verantwortlich war. Nach einem Aufenthalt in Japan, wo sie sich mit Kultur- und Designprojekten beschäftigt hatte, übersiedelte Federica 2009 nach London und gründete das Federica Capitani Design Studio. Ihre Arbeiten erstrecken sich von kleinen Zweckgegenständen zu Architekturprojekten, Schwerpunkt sind Möbel und Beleuchtungskörper. Federica lebt und arbeitet zwischen Mailand und London, wo derzeit unterrichtet Federica am Royal College of Art in London.
Numen / For Use
Numen / For Use ist ein österreichisch-kroatisches Design-Kollektiv, das bekannt für Arbeiten ist, die sich an der Schnittstelle zwischen Szenographie, Industrie- und Raumdesign sowie Konzeptkunst bewegen. Die Gruppe wurde 1998 durch die Zusammenarbeit der Industriedesigner Sven Jonke, Christoph Katzler und Nikola Radeljkovic gegründet und tritt unter dem Namen For Use auf. Im Jahr 1999 gründeten sie das Label Numen, unter dem Projekte ausserhalb des Bereichs des Industrie-Designs realisiert werden. Nach dem Jahr 2004, nach Abschluss eines grossen standortspezifischen Projekts für die Herstellung des Bühnenbilds für „Inferno“ am Centro Dramático Nacional in Madrid, hat Numen / For Use begonnen, seinen Schwerpunkt vorwiegend auf die Szenographie zu verlagern. Es folgten weitere Bühnenbilder in Theatern in ganz Europa. Seit 2008 liegt ein Schwerpunkt auf Entwicklung und Umsetzung begehbarer Installationen ohne vordefinierter Funktion, um hybride und experimentelle Projekte zu schaffen, wie zum Beispiel die N-Light Series und die Installation Tape, Net und Tuft, die in öffentlichen Bereichen und Kunstgalerien auf der ganzen Welt ausgestellt sind.
Designerduo Front
Sofia Lagerkvist und Anna Lindgren bilden das schwedische Designerduo Front. Ihre Produkte entstehen aus ihren Diskussionen, Untersuchungen und Experimenten: sie arbeiten an allen Projekten gemeinsam, von der ersten Idee bis zum fertigen Produkt. Ihre Gegenstände erzählen dem Betrachter häufig eine Geschichte über den kreativen Prozess, das Material, aus dem sie hergestellt sind und den Konventionen, die in diesem Bereich gelten. Die Kreativität von Front bezieht ihre Anregungen von Tieren, Computern und Maschinen. Sie haben Interieurs in steter Entwicklung, explosive Gegenstände, roboterartige Einrichtungen und Möbel mit dem Reiz der Magie entworfen.
Gordon Guillaumier
Gordon Guillaumier wurde auf Malta geboren und studierte in der Schweiz, in England und Italien. Sein Diplom in Industrial Design machte er am IED Mailand (1988-91) und absolvierte dann einen Master in Industrial Design an der Domus Academy Mailand (1988-91). 1993 folgte ein Praktikum bei Baleri Associati. Im gleichen Jahr arbeitete er auch mit dem Architekten und Designer Rodolfo Dordoni. In dieser Zeit lieferte Gordon seine ersten Entwürfe für Foscarini und andere Marken. 2002 gründete er sein eigenes Studio in Mailand, wo er sich mit Produkt- und Einrichtungsdesign beschäftigte und als Konsulent tätig war. In der Funktion als Konsulent und Art Director arbeitete er für Driade (Kollektionen Atlantide und DHouse), Sanitärzubehör für Dornbracht Interiors, Küchen für Rational, Möbel für die Kollektion Fiam’s Liv’it und war neuerdings Art Director von Roda (Gartenmöbel) und Pamar (Accessoires und Griffleisten). Als Produktdesigner arbeitete Gordon für zahlreiche internationale Unternehmen; Porzellan und Wäsche für den Haushalt Bosa, Pandora, Paola C und De Vecchi, Möbel für Arketipo, CasaMilano, Desalto, De Sede, Fontana Arte, Frag, Gebrüder Thonet Wien, Matteo Grassi, Montina, Minotti, Moroso, Lema, Roda, Tacchini und Varaschin, Lampen für Foscarini, AV Mazzega und OLuce, Geräte für Elica, Griffleisten für Pamar, Sanitärzubehör für Nobili Rubinetterie, Azzurra Ceramiche, Kronos Ceramiche und Ceramiche Piemme. Seine Arbeiten in Interieur Design konzentrieren sich vor allem auf Wohnprojekte: sein Studio erstellte Bau- und Einrichtungsplanungen für Privatkunden. Gordon nahm an diversen Ausstellungen und Messen teil: “Pro-gettare”, Abitare II Tempo, Verona (1999), Pandora Design, Mailand (2001); Molteni Villa Torlonia (2002); Pamar, Palazzo Crivelli (2006/2012); Roda, Mailänder Möbelsalon (2006/2013); Mondadori/Interni (2011/2014). 2006 wirkte er als Professor an der Fakultät für Industriedesign am Politecnico Mailand. Seine Arbeiten werden häufig in internationalen Design-Magazinen veröffentlicht.
Javier Mariscal
Javier Mariscal (Valencia, 1950) kreiert vor allem Bilder und nutzt dazu alle Arten von Trägermaterial und jede Disziplin. Möbeldesign, Einrichtungsdesign, grafisches Design, Landschaftsplanung, Malerei, Bildhauerei, Illustrationen, Web-Design, multimediale Kunst und Animation: alles ist Gegenstand seiner beruflichen Tätigkeit. Mariscal findet seinen Ausdruck in einer sehr persönlichen Sprache, komplex in den Intentionen, einfach in den Aussagen, unschuldig und provokant zugleich, um zu erneuern, Risiken einzugehen und zu kommunizieren; um im Betrachter Emotionen zu erzeugen und ein Einverständnis mit seinem Gegenüber herzustellen. Er suggeriert ein Bündnis mit unserer mediterranen Kultur und drückt eine Form des Verstehens verschiedener Welten und des Lebens aus, mit der wir mühelos in Kontakt treten können. Seine Werke sind in permanenten Sammlungen internationaler Museen vertreten, darunter MoMA, Fundación La Caixa in Barcelona, Colección Ricard in Paris, Colección Aigües in Barcelona, IVAM in Valencia, Museum of Art in Philadelphia.
Jörg Schellmann
Die Arbeiten von Jörg Schellmann, geboren 1944, orientieren sich mehr an den Grundsätzen für industrielle und kommerzielle Produkte als an denen für Interieur Design. Funktionalität ist nicht nur Zweck, sondern auch eine Voraussetzung für ihr Design. So entstehen Gegenstände von grossem praktischen Wert, radikaler Schlichtheit und strenger Schönheit. Die Bezüge auf Konzeptkunst und Minimalismus stützen sich auf Schellmanns grosse Erfahrung als Kunstverleger (Schellmann Art) in München und New York. In dieser Funktion produzierte er limitierte Ausgaben von Drucken, Objekten und Möbeln prominenter Künstler wie Joseph Beuys, Daniel Buren, Liam Gillick, Donald Judd, Sol LeWitt, Gerhard Merz und Andy Warhol. Jörg Schellmann entwirft seine Möbel seit 2006. Er lebt und arbeitet in München.
Karmelina Martina
Karmelina Martina wurde in Sarajevo geboren, aber lebt und arbeitet in Udine. 2001 macht sie mit Auszeichnung ihren Hochschulabschluss in Industrial Design in Florenz. Ihre Lehrer waren Vanni Pasca, Isao Hosoe, Paolo Deganello und andere prominente Designer. Seit 2006 koordiniert sie die Abteilung für Entwicklung und Industrialisierung bei Moroso. Sie versucht das Design zu perfektionieren, und zwar in dem Bereich, in dem die zweckmässige technische Überlegung von der symbolischen und emotionellen Motivation getrennt wird. Neben der Tätigkeit als Product Development hat sie auch Schmuckstücke, Lampen und private Wohnungen geplant.
Marc Newson
Marc Newson gilt als einer der einflussreichsten Designer seiner Generation. Er arbeitete in unterschiedlichsten Disziplinen und entwarf praktisch alles: von Möbeln, elektrischen Haushaltsgeräten, Fahrrädern, Autos, Privat- und Passagierflugzeugen bis zur Vergnügungsyacht. Er lieferte auch Bauplanungen und schuf Skulpturen für Kunden in aller Welt. Newson lebte und arbeitete in Tokyo, Paris und London, wo er derzeit wohnt, aber er ist ständig auf Reisen. Zu seinen Kunden gehören viele der bekanntesten und berühmtesten Marken der Welt, in der Fertigungsindustrie und in den Bereichen Technologie, Transport, Mode und Luxusgüter. Geboren 1963 in Sydney, verbrachte Newson seine Kindheit zwischen Europa und Asien. Schon als Student beschäftigte er sich mit Möbeldesign und dank eines Stipendiums des Australian Crafts Council, nahm er mit der Liege Lockheed Lounge an seiner ersten Ausstellung teil: heute, zwanzig Jahre später, stellte sie vier Mal hintereinander den Weltrekord bei einer Versteigerung auf. Newson leitet nicht nur sein eigenes Atelier Marc Newson Ltd, sondern bekleidet auch Ämter von grossem Prestige bei einigen seiner Kunden: So ist er Brand Ambassador für Qantas Airways und Designer für Special Projects bei Apple. Seine Werke sind in den bedeutendsten internationalen Sammlungen ausgestellt, so etwa im MoMA New York, im Design Museum und im V&A London, im Centre Georges Pompidou Paris und im Vitra Design Museum in Deutschland.
Marc Thorpe
Das Büro Marc Thorpe Design wurde 2005 in New York von Architekt Marc Thorpe gegründet. International bekannt ist Thorpe durch seine innovativen, dynamischen Arbeiten und einen rigorosen Weg der Integration von Architektur, Design und Technik. Thorpe und sein Team arbeiten gemeinsam mit den Kunden an der Entwicklung und Umsetzung von Wachstumsstrategien für deren Marken. Sein Büro erstellt Konzepte für Marken-Design und verfügt über die Ressourcen, schlüssige Kommunikationsplattformen in verschiedenen Sparten zu erzeugen: Architektur, Inneneinrichtung, Branding, Möbel- und Produktdesign, Retail- und Exhibition-Design. Thorpe und sein Team waren für so prominente Marken wie Moroso, Tod’s, Stella Artois, Mercedes Benz, Under Armour, Coca-Cola, Infiniti, Saatchi & Saatchi, ABInBev, David Yurman, Esquire, L’Oreal, Yahoo, Patron, Davidoff und Cooper Hewitt tätig.
Marcel Wanders
Marcel Wanders, Gründer des gleichnamigen Büros in Amsterdam, ist ein kreativer Visionär, vielfach ausgezeichnet und weltweit anerkannt. Lob für seine Nutzung von Design, Innovation und Technologie erhielt er von Magazinen wie Business Week, Elle Decoration, The Washington Post und WIRED. Er ist für so legendäre Marken wie Alessi, KLM Airlines, Baccarat, Bisazza, Christofle, Kose/ Cosme Decorte, Mac, Puma, Swarovski und Louis Vuitton tätig. Mehr als 1700 Produkte tragen seinen Namen. Er war Mitbegründer der Erfolgsmarke Moooi. Geplant als Plattform für Talente aus aller Welt, ist sie in 79 Ländern präsent und machte Marcel zu einem Synonym für hochwertiges Design auf internationaler Ebene. Nach dem mit Auszeichnung bestandenen Diplom an der ArtEZ Academy von Arnheim und dem Besuch eines Executive MBA an der INSEAD, wurde er Konsulent von THNK School of Creative Leadership; seine Kollektionen von Design und Architektur sind im MoMA New York und San Francisco, im Victoria & Albert Museum in England, im Centre Pompidou in Frankreich und im Stedelijk Museum Amsterdam zu sehen. Marcel will vor allem eine menschliche Note in das Design zurückbringen und es in eine neue Design-Ära führen, wie er das nennt, wo Designer, Handwerker und Nutzer endlich wieder zusammenfinden. Seine Arbeit erzeugt Emotionen, provoziert, polarisiert, aber hört nie auf, durch Erfindungsreichtum, Mut und die einzigartige Suche nach einer höheren geistigen Ebene zu überraschen. In allem, was er gemacht hat und noch machen wird, bleibt er seinem Anspruch treu: „ein Ambiente der Liebe erzeugen, mit Leidenschaft leben, an der Verwirklichung der schönsten Träume arbeiten“.
Martino Gamper
Martino Gamper (geboren 1971 in Meran) lebt und arbeitet in London. Er beginnt seine Laufbahn als Lehrling bei einem Möbeltischler in Meran und studiert dann Bildhauerei mit Michelangelo Pistoletto an der Akademie der bildenden Künste in Wien. 2000 erwirbt er den Abschluss am Royal College of Art in London, sein Lehrer war Ron Arad. Martino Gamper beschäftigt sich mit Kunst und Design und arbeitet in den Bereichen Ausstellungs- und Einrichtungsdesign, übernimmt Aufträge für Einzelstücke und designt Serienprodukte für eine moderne, internationale Möbelindustrie. Gamper zeigte seine Arbeiten und Entwürfe in vielen massgeblichen, internationalen Ausstellungen, wie „100 Chairs in 100 days“, Touring Show, RMIT, Melbourne, Australien; „Transformers“, MAXXI, Rom (2016); „design is a state of mind“, Serpentine Sackler Gallery, London (2014); „In A State of Repair“, Rinascente, Mailand (2014). Er erhielt 2011 den Moroso Award for Contemporary Art und den Brit Insurance Designs of the Year, 2008 den Furniture Award für das Design von „100 Chairs in 100 days“.
Massimo Iosa Ghini
Massimo Iosa Ghini erwirbt sein Diplom am Politecnico in Mailand. Er ist einer der einflussreichsten italienischen Architekten und Designer auf internationaler Ebene. Seit 1985 gehört er zur Avantgarde in Architektur und Design in Italien: er gründet die kulturelle Bewegung Bolidismo und ist Mitglied der Gruppe Memphis von Ettore Sottsass. Seit 1989 arbeitet er auch auf internationaler Ebene; im gleichen Jahr hat er seine erste Ausstellung an der Inspiration Gallery im Axis Building in Tokio und in Osaka werden ihm die Schlüssel der Stadt überreicht. 1990 eröffnet er Iosa Ghini Associati, das heute in Mailand, Bologna, Moskau und Miami tätig ist und Projekte für Grosskonzerne und internationale Developer entwickelt. Er beschäftigt sich mit der Planung von Wohn- und Geschäftsbauten, Museen, kulturellen Installationen, der Planung von Räumen und Strukturen für den öffentlichen Verkehr, sowie mit dem Design für Einzelhandelsketten in aller Welt. Viele seiner Produkte finden sich in internationalen Museen und Privatsammlungen und erhielten zahlreiche Preise und Anerkennungen, wie beispielsweise Roscoe Award, USA, Compasso D’Oro ADI, Good Design Award des Chicago Athenaeum, IAI Green Design Award, Cina, iF Product Design Award und Red Dot Award, Deutschland. 2013 widmete ihm die Triennale Mailand eine gesamte Anthologie seiner 30jährigen beruflichen Karriere; 2015 verlieh ihm die Stiftung Marconi und das Marconi Institute for Creativity den Marconi-Preis für Kreativität als Anerkennung für seine gestalterischen Leistungen.
Monica Armani
Monica Armani, Architektin und Designerin, 1996 startet sie ein brillantes Projekt der Eigenproduktionen: progetto 1. 2005 wird das Projekt von B&B Italia produziert und seit damals entwirft sie für die bekanntesten nationalen und internationalen Unternehmen, darunter B&B Italia, Luceplan, Tribù, Snaidero, Molteni&C, Gallotti&Radice, Starpool, Schoenhuber Franchi, Poliform, Studio TK, Punt, GlasItalia und Viccarbe. Rigoroses Design, Innovation und technische Produktentwicklung lassen einen einzigartigen Stil mit hohem Wiedererkennungswert entstehen. Ein roter Faden, der die gesamte Arbeit des Studios in allen Projekten: von Architektur bis Industrial Design, von Innenarchitektur durchzieht bis Design, von Planung bis Art Direction und bis Corporate Identity. Auf den Spuren der grossen Meister, widmet Studio Monica Armani viel Aufmerksamkeit auch einer zeitgenössischen Architektur, die als konkrete und verantwortungsvolle Antwort auf die Notwendigkeit einer nachhaltigen Entwicklung unserer Zeit angesehen wird. Beispiele sind The Lounge, realisiert für Gruppo Poltrona Frau und Casa Corriere, präsentiert auf der Expo Mailand 2015 für die Verlagsgruppe RCS.
Nendo
Oki Sato ist Chefdesigner und Gründer von Nendo. Er wurde 1977 in Toronto (Kanada) geboren. 2002 erwarb er seinen Abschluss in Architektur an der Waseda University in Tokyo und gründete im gleichen Jahr das Design-Studio „Nendo“. Seine Arbeit als Designer beschränkt sich nicht auf ein bestimmtes Gebiet, sondern ist vielseitig mit Graphik, Produktdesign, Möbeldesign, Installationen, Fenster- und Einrichtungsdesign bis zur Erstellung von Bauplanungen. Er wurde von Newsweek Magazine in die Liste der 100 einflussreichsten Japaner aufgenommen und gewann zahlreiche Preise, darunter „Designer of the Year“ der Zeitschrift Wallpaper. Seine Arbeiten sind im Museum of Modern Art in New York, im Musée des Arts Décoratifs und im Centre Pompidou in Paris ausgestellt.
Doshi & Levien
Nipa Doshi wurde 1971 in Bombay in eine aus Gujart stammende Familie geboren. 1997 ist sie in London, wo sie am Royal College of Art ihren Master absolviert. Nachdem sie für kurze Zeit nach Indien geht, um mit Kunsthandwerkern zusammenarbeiten, kehrt sie zurück nach London. Hier lernt sie den in Schottland geborenen Jonathan Levien kennen, der auch kurz zuvor seinen Master am Royal College of Art absolvierte. Die Synergie zwischen Nipa und Jonatan klappt sofort: im Jahr 2000 gründen sie ihr Studio und heiraten. Gemeinsam entwickeln sie ein besonderes und innovatives Designkonzept, das zwei verschiedene und komplementäre Ansätze bei den Werken vereint: Nipa, die stark mit der indischen Kultur verwurzelt ist, und Jonathan, der die Planung von Industriedesign begonnen hat, rühmen sich einer gemeinsamen kulturellen Mischung, welche Technologie, Geschichte, Industriedesign und Handwerk zusammenfasst.
Patricia Urquiola
Patricia Urquiola wurde in Oviedo (Spanien) geboren. Sie lebt und arbeitet in Mailand. Sie studierte Architektur am Polytechnikum von Madrid und später an dem von Mailand, wo sie 1989 ihr Diplom unter Achille Castiglioni erwarb. Sie war Assistentin von Achille Castiglioni und arbeitete mit Vico Magistretti; sie war verantwortlich für Design bei Lissoni Associati. 2001 eröffnete sie ihr eigenes Atelier für die Bereiche Produktdesign, Inneneinrichtung und Architektur. Zu ihren jüngsten Bauprojekten gehören das Schmuckmuseum in Vicenza, Hotel Mandarin Oriental in Barcelona, Hotel Das Stue in Berlin, Spa für das Hotel Four Seasons in Mailand; ausserdem Projekte Retail und Ausstattungen für Gianvito Rossi, BMW, Cassina, Ferragamo, Flos, Missoni, Molteni, Officine Panerai, H&M, Santoni, Pitti Uomo in Florenz. Sie designte Produkte für bedeutende italienische und internationale Marken, darunter: Agape, Alessi, Axor-Hansgrohe, Baccarat, Boffi, Budri, De Padova, Driade, Flos, Gan, Georg Jensen, Glas Italia, Haworth, Kartell, Kvadrat, Listone Giordano, Louis Vuitton, Moroso, Mutina, Rosenthal und Verywood. Ihre Arbeiten sind in prominenten Museen für Kunst und Design vertreten, darunter MoMa in New York, Musée des Arts decoratifs in Paris, Designmuseum Zürich, Vitra Design Museum in Weil am Rhein, Victorian&Albert Museum in London, Stedelijk Museum in Amsterdam und Museum der Triennale Mailand. Urquiola gewann zahlreiche internationale Preise, darunter „Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes“ der spanischen Regierung, den Orden Isabellas der Katholischen, überreicht von Juan Carlos I., und wurde ausgezeichnet als “Designer des Jahrzehnts” von Home und Häuser, als “Designer des Jahres” von Wallpaper, AD Spagna, Elle Decor International und Architektur und Wohnen.
Philippe Bestenheider
Philippe Bestenheider wird 1971 in Sion in der Schweiz geboren. 1998 macht er seinen Abschluss in Architektur am Polytechnikum Zürich und arbeitet für Architekturbüros in der Schweiz und in den USA. 2000 errang er einen Master in Industriedesign an der Domus Academy Mailand, wo er auch mehrere Jahre als Leiter von Workshops tätig ist. Von 2001 bis 2006 ist er Senior Designer im Atelier von Patricia Urquiola in Mailand, wo er für bedeutende Unternehmen arbeitet. 2006 nahm er auf Einladung an der Ausstellung Promosedia teil. 2007 gründete er sein eigenes Studio und arbeitet in der Schweiz und in Italien.
Rajiv Saini
1995 von Rajiv Saini in Mumbai gegründet, hat sich Rajiv Saini and Associates (RSA) im Laufe der Jahre zu einer einflussreichen Grösse für Design in Indien entwickelt. RSA, mit dem Schwerpunkt im Wohnungs- und Objektbereich, verbindet modernes Design mit exquisiten, handwerklichen Details. Klare Räume, schlichte aber luxuriöse Materialien, raffinierte Stoffe und untadelige Qualität sind zum Markenzeichen für die Designerfirma geworden. RSA lässt sich von Rahmenbedingungen und Besonderheit der Projekte leiten und verarbeitet die kreativen Ideen zu einer einzigartigen, synthetischen Lösung, die sowohl architektonisch konsequent als auch sozial relevant ist. Stark vertreten im eigenen Land, konnte sich RSA in den letzten Jahren mit zahlreichen Projekten in Singapur, Dubai, in Thailand und Grossbritannien auch auf internationaler Ebene durchsetzen.
Raw Edges
Da Yael und Shay nach dem Diplom am Royal College of Art im Jahr 2007 keine adäquate Anstellung fanden, gründeten sie ihr eigenes Designerstudio, um ihrer Kreativität freien Lauf zu lassen: Einrichtungsgegenstände, Installationen und Produkte nahmen mit einer stark spielerischen Note und kindlichem Staunen Gestalt an. Das Atelier ist zum Ort geworden, wo die Neugierde in der Gestaltung der Produkte zum wichtigen Faktor wird und eine Reise der unendlichen Entdeckungen ermöglicht, um die Welt auf den Kopf zu stellen, Gegenstände zu öffnen und ihr Inneres zu erforschen, immer auf der Suche nach Überraschungen, dem Wunder und mit dem Sinn für Humor. Farben, Motive und Bewegung sind ein wichtiger Teil der DNA von Raw-Edges. Energie und provokante Illusionen wollen das Kind herausholen, das in jedem von uns steckt und mit ihm gemeinsam die Langeweile bekämpfen. Einige Ideen bestehen darin, Schaum zwischen Papierfalten zu spritzen, Holz zu färben und Formen aus Papier für die industrielle Produktion von keramischen Fliesen herzustellen. Yael und Shay lernten sich in Jerusalem kennen und übersiedelten nach London, wo sie am RCA unter Ron Arad studierten. Unter der Führung der Tutoren Daniel Charney und Roberto Feo experimentierten sie mit neuen Typologien, um auszuloten, wie sich die Räume unserer täglichen Umgebung durch Produkte, die wir benutzen, und Gegenstände, die wir besitzen, bereichern können. In einer von Martino Gamper betreuten Ausstellung unmittelbar nach dem Abschluss ihres Studiums, konnten Yael und Shay ihre Stack und Volume präsentieren, die auch eine wichtige Grundlage für ihr Designerstudio bildeten.
Richard Hutten
Richard Hutten, geboren 1967, ist einer der einflussreichsten und erfolgreichsten niederländischen Designer. Er ist bekannt für seine konzeptionellen und gleichzeitig amüsanten Entwürfe. Als echter Erneuerer arbeitet er in den Bereichen Produktdesign, Möbel- und Wohndesign. Seine Produkte haben Kultcharakter, sind intelligent und funktionell. Hervorzuheben unter den erhaltenen Preisen: Red Dot Award, LAI, The Great Indoors, The Golden Monkey. Hutten ist vermutlich der Designer seiner Generation, von dem die meisten Arbeiten ausgestellt sind: mehr als 45 in aller Welt und die Zahl wird sicherlich noch steigen. Um nur einige zu nennen: MoMA New York, Victoria&Albert Museum London, Stedelijk Museum Amsterdam, Chicago Art Institute, Design Museum London, Vitra Museum Weil am Rhein, Rijksmuseum Amsterdam und MoMA San Francisco.
Rodolfo Dordoni
Rodolfo Dordoni wurde 1954 in Mailand geboren, wo er seinen Hochschulabschluss in Architektur macht.Er war für die künstlerische Leitung von Artemide, Cappellini, Fontana Arte und Foscarini verantwortlich. Heute ist er es für Minotti (seit 1998) und Roda (seit 2006). Das Planungsbüro Dordoni Architetti entwickelt Projekte für Wohnräume, Industriegebäude und kommerzielle Räumlichkeiten, Geschäfte und Showrooms, Hotels, Restaurants, Yachten sowie Innenausstattungen und Messestände.
Ron Arad
Ron Arad ist Architekt und Designer israelischer Herkunft. Seit über 25 Jahren arbeitet er an der flüchtigen Grenze zwischen Industriedesign und Gegenwartskunst. In der Arbeit mit Moroso verbanden sich Form- und Konzeptforschung des Designers mit der sensiblen Interpretation des Unternehmens. Extreme Geste, assimiliert und in Gegenstände umgesetzt, die über die einfache Form hinausgehen und eine Beziehung schaffende Vitalität in den Alltag bringen.
Ross Lovegrove
Ross Lovegrove wurde 1958 geboren, studierte Industriedesign am Polytechnikum von Manchester und am Royal College of Art in London. Die Anfänge seiner Karriere machte er als Designer für Frog Design, wobei ihm Projekte für Apple und Sony anvertraut wurden. Nachdem er in vielen europäischen Ländern gearbeitet hat, kehrte Lovegrove nach London zurück. Seit 1986, Jahr der Gründung seines eigenen Studios, arbeitet er mit einigen der angesehensten Marken des internationalen Designs zusammen. Zurzeit beschäftigt er sich mit verschiedenen Projekten in Japan, wo er einer der geschätztesten europäischen Designer ist.
Scholten & Baijings
Stefan Scholten und Carole Baijings gründeten das Studio Scholten & Baijings im Jahr 2000 und zählen weltweit zu den interessantesten, besonders innovativen und dynamischen Designerpaaren. Bekannt für ihre zeitgemäss funktionellen, diskreten und delikaten Produkte, einen kraftvoll ungewöhnlichen Einsatz der Farbe und für Gegenstände von exquisit handwerklicher Fertigung, schufen sie unterschiedliche Artikel in ihrem eigenwilligen Stil: Keramiken, Tafelsilber, Stoffe, Autos. Scholten & Baijings erhielten zahlreiche, renommierte Auszeichnungen, darunter 2011 den ELLE Decoration International Design Award (EDIDA) als Young Designer Talent, eine Nominierung für Designer of the Year von Wallpaper Design Awards 2015 und Oeuvre Award Sanoma Woon Awards 2014. Ihre Produkte und limitierten Auflagen sind in hochrangigen Museen und Galerien vertreten, wie im Cooper-Hewitt National Design Museum New York, Art Institute in Chicago, Victoria & Albert Museum in London und Museum Boijmans van Beuningen in Rotterdam. Zu ihren Kunden zählen Maharam, HAY, IKEA, Karimoku New Standard, Georg Jensen, 1616 / Arita Japan, Moooi, Thomas Eyck und MINI.
Sebastian Herkner
Der deutsche Designer Sebastian Herkner wurde 1981 geboren und studierte Produktdesign an der Universität für Kunst und Design in Offenbach. Sein Atelier beschäftigt sich mit dem Entwurf von Gegenständen, Möbeln und Einrichtungsdesign, die unterschiedliche kulturelle Gegebenheiten vereinigen und neue Technologien mit handwerklicher Arbeit verbinden, um so die facettenreiche Schönheit der Materialien zu betonen und die Aufmerksamkeit auf kleine Details zu lenken. Seine Entwürfe erhielten zahlreiche Preise, darunter 2011 den German Design Award in der Kategorie Debütanten und den EDIDA Award für den besten internationalen Debütanten. Er war Ehrengast der IMM Cologne 2016.
Tokujin Yoshioka
Tokujin Yoshioka wurde 1967in Japan geboren. Nachdem er lange bei Shiro Kuramata und Issey Miyake gelernt hatte, mit denen er seit mehr als 20 Jahren zusammenarbeitet, eröffnet er 2000 sein eigenes Studio in Tokio und war an zahlreichen Projekte an der Seite von Modedesigner beteiligt, darunter die Geschäfte Issey Miyake und A-POC sowie die Installation unter dem Titel Issey Miyake Making Things für das Museum Fondation Cartier in Paris. Tokujin Yoshioka erhielt zahlreiche Anerkennungen und seine Arbeiten sind in Dauerausstellungen in den bedeutendsten Museen der Welt zu sehen: im Museum of Modern Art in New York, im Centre Pompidou in Paris, im Vitra Design Museum in Weil am Rhein (Basel) und im Victoria & Albert Museum in London.
Tom Dixon
Besessen von “ehrlichen” Materialien und von einer Tätigkeit, die durch Engagement für Design und einer innovativen Produktion gekennzeichnet ist, wird Tom Dixon von der Mission die britische Möbelindustrie anzukurbeln getrieben. Die 2002 geschaffene Handelsmarke Tom Dixon wird von den britischen Traditionen inspiriert. Die neuen Kollektionen werden jedes Jahr im Möbelsalon in Mailand präsentiert und die Produkte werden in 63 Ländern verkauft. Im September 2012 entsteht die Marke der Accessoires Eclectic by Tom Dixon, deren Kollektionen er jährlich in der Messe Maison et Object in Paris vorstellt.
Tomek Rygalik
Der Designer Tomek Rygalik wuchs in einer Periode der wirtschaftlichen Veränderung in Polen auf; er übersiedelte nach New York und dann nach London, um seiner Leidenschaft für Architektur und Design nachzugehen. Er studierte Architektur in Lodz und erwarb sein Diplom in Industriedesign am Pratt Institute (1999 BID). Nach Abschluss des Royal College of Art im Jahr 2005 (MA), trat er dem Lehrkörper des RCA als assoziierter Dozent bei. Er gründete Studios in London und Warschau und war als Kurator und Dozent für Industrial Design tätig. Rygaliks Designkonzept entstand aus seinem persönlichen Background. Analyse der Kultur von Materialien und Erfindungsreichtum stehen im Zentrum seines Denkens. Über Design will er stimulierende, funktionelle und dauerhafte Ergebnisse mit minimalen Mitteln erreichen, wobei er häufig an die Grenzen der Eigenschaften von Materialien und Strukturen geht und mit neuen Prozessen experimentiert. Das Team von Studio Rygalik, dem zahlreiche Preise verliehen wurden, bleibt am Rande rein kommerzieller Projekte und engagiert sich für kulturelle Aktivitäten sowie den Aufbau der eigenen, experimentellen Identität.
Tomita Kazuhiko
Tomita Kazuhiko bezeichnet sich als einen von Ost bis West reisenden Nomaden und seine Lebensgeschichte spiegelt dieses Konzept wieder. Er eröffnet das Studio 2.5 – Dimensional Design in Mailand und arbeitet mit Alessandro Mendini, Ettore Sottsass und Vico Magistretti zusammen. Einige der von ihm entworfenen Produkte sind Teil der Dauerausstellung des Museum of Modern Art in New York. Für ihn ist die Einfachheit sehr wichtig, was nicht als Minimalismus im Stil des Bauhaus zu verstehen ist, sondern im Zusammenhang mit der Theorie des Shintoismus, wonach unbelebte Gegenstände eine geistige Energie enthalten.
Tord Boontje
Tord Boontje ist für seinen romantischen Ausdruck im modernen Design bekannt. Einige seiner Entwürfe sind extravagant und ironisch, aber alle können starke Emotionen erzeugen. Der gebürtige Niederländer Boontje studierte an der Akademie für Design in Eindhoven und setzte die Studien am Royal College of Art in London fort; 1996 gründete er das Studio Tord Boontje. Es folgte die Zusammenarbeit mit zahlreichen internationalen Unternehmen für unterschiedlichste Projekte, darunter Lampen, grafische Identität, Stoffe, Keramiken, Installationen und Einrichtungsgegenstände. Seine Arbeiten sind in bedeutenden internationalen Sammlungen vertreten, wie Victoria & Albert Museum in London und MoMA in New York. In Shoreditch entwirft, kreiert und propagiert das Studio seine neuen Kollektionen. Diese kreative und unabhängige Arbeitsmethode belebt bestehende Verbindungen und knüpft neue.
Toshiyuki Kita
Toshiyuki Kita arbeitet seit 1959 in Mailand und in Japan. Für europäische und japanische Unternehmen entwarf er einige der weltweit kommerziell erfolgreichsten Produkte, viele davon wurden für permanente Sammlungen in Museen ausgewählt, unter anderem MoMA in New York und Centre Georges Pompidou in Paris. Er war als Regierungsberater für Design in Singapur, Thailand und China tätig. Er war massgeblich an der Verbreitung traditioneller japanischer Handwerkskunst beteiligt. Er ist Leiter der internationalen Messe Living & Design und des Renovierungsprojekts RENOVETTA. Er ist ausserdem Professor an der Osaka University of Arts. 2015 wurde in der Kirche San Domenico von Alba die Ausstellung „Il Lusso Della Natura“ gezeigt. Unter den zahlreichen internationalen Auszeichnungen, wurde Kita 1990 der Delta de Oro in Spanien und 2011 der Compasso d’Oro für die Karriere verliehen. Unter seinen Veröffentlichungen sollen „Power of Design“, „Local Industry + Design“ und „Venture for Design“ erwähnt werden.
Weisshaar & Kram
Clemens Weisshaar und Reed Kram liefern mit ihrer Arbeit eine neue Definition von modernem Design. Sie wurden als „die Avantgarde der kommenden digitalen Designer-Generation“ (Journal FORM) und als „Abbild einer neuen Designer-Generation“ (International Herald Tribune) beschrieben. Ihre Projekte reichen von der Entwicklung von Software zu Design-Prozessen, von Produktdesign zu Architektur. Die Arbeit von Weisshaar und Kram konzentriert sich auf die dünne Trennungslinie zwischen realer und digitaler Welt ohne je das Ziel aus den Augen zu verlieren, „Design neu zu entwerfen“ (Arch+ magazine). Ihre Werke wurden in aller Welt ausgestellt und sind in den permanenten Sammlungen im Vitra Design Museum in Weil am Rhein, im Museum of Modern Art in New York, in der Pinakothek der Moderne in München und im Centre Pompidou Paris vertreten. Clemens Weisshaar wurde in München geboren. Nach einer Metall- und Maschinenbaulehre besuchte er das St. Martins College of Art and Design und das Royal College of Art in London. Nach drei Jahren Zusammenarbeit mit Konstantin Grcic eröffnete er 2000 sein eigenes Studio. Weisshaar lebt in München und London. Geboren in den USA, lebt und arbeitet Reed Kram derzeit in Stockholm und München. Kram studierte Design am wegweisenden MIT Media Lab und war Mitbegründer der Gruppe Aesthetics and Computation unter der Führung von John Maeda. Er besuchte die Harvard Graduate School für Design und gewann 1998 ein Fulbright-Stipendium für Künste und Design in den Niederlanden.
Werner Aisslinger
Die Arbeit des Designers Werner Aisslinger, geboren 1964, erforscht alle Aspekte der experimentierende Kunst, ohne das Industrielle Design und die Architektur wegzulassen. Aisslinger liebt es, sich der neuesten Technologie zu bedienen. Seine Arbeiten hatten grossen Erfolg und er hat dafür Auszeichnungen auf der ganzen Welt erhalten: vom „Compasso d’Oro“ (Goldener Zirkel) in Mailand bis zum Design Prize in Deutschland, vom Red Dot Award zum FX Award in Grossbritannien. Seine Werke sind in Dauerausstellungen von grossen internationalen Museen ausgestellt, wie im Museum of Modern Art (MoMA) in New York, im Fond National d’Art Contemporain in Paris, in der Neue Sammlung Museum in München und dem Vitra Design Museum in Weil am Rhein, in Deutschland.Werner Aisslinger lebt und arbeitet in Berlin.
